• Цитата номера
• Как это было в Москве
• Постсоветское пространство: что было
• Постсоветское пространство: что будет
• Что намечается: столичные анонсы
• Конкурсы
• А в это время за бугром...
• Рецензии
• Джазовые дни рождения
• Телевидение
• Радио
• Бесплатный ежедневный аудиофайл

Следующий выпуск: 19 октября 2006 г.

"...старые джазовые чуваки, послушав молодого музыканта, иногда говорили: "эй, да он ничего не играет". Вся техника игры, какая только может быть, не спасёт - если то, что ты сообщаешь своим слушателям, не отражает твой жизненный опыт, способность уметь рассказать о том, о чем ты пытаешься говорить... Музыкант надувает щеки, пытаясь олицетворить романтику и неизмеримую глубину джазовой жизни - а ему восемнадцать лет. А может, ему уже и тридцать, но ему до сих пор нечего рассказать. Все, что он может рассказать - это какие-то басни, потому что у него ничего нет, кроме показной храбрости и техники игры. Но в джазе нельзя спрятаться за техникой игры. В других видах музыки внимание людей можно отвлечь танцующими девушками, пиротехникой, большим сценическим шоу. Но джаз раздет догола: это всего четыре-пять парней на сцене, и все. Честнее некуда. Поэтому тебе либо есть что сказать, либо уж нечего".

Саксофонист Грег Осби
(цитируется по книге Ллойда Питерсона "Музыка и дух творчества", Торонто, 2006)

Несколько эпизодов фестиваля "Длинные руки", центр "ДОМ"

Третий по счету фестиваль музыкального авангарда, придуманный покойным ныне основателем "ДОМа" - главной московской авангардной площадки - Николаем Дмитриевым, проходил в Москве на грани сентября-октября. Как это обычно и бывает в "ДОМе", значительная часть программы фестиваля далека от предметов нашего интереса: "Полный джаз" очень сочувственно относится к поисковым, экспериментальным направлениям в музыке, однако писать мы должны (хотим, можем, будем, нужное подчеркнуть) главным образом о тех экспериментаторах, кто связан с импровизационной музыкой, прежде всего - той ее частью, что исчисляет свое происхождение от джаза. Однако на нескольких сетах фестиваля хотелось бы остановить внимание достаточно подробно, потому что это именно наши люди - ну, или люди, которые адресуются именно к джазовой аудитории.

2 октября: Адам Клиппл (США)
Этот улыбчивый молодой человек из Бруклина занимается вообще-то совершенно другой музыкой: в Москве он находился в качестве музыкального директора латин-джазового ансамбля перкуссиониста Фрэнка Колона. Но, как видно, Клиппл балуется еще и тем, что представляется ему авангардом. Правда, в его послужном списке - игра с самим Сан Ра. Но сольное авангардное музицирование?
Перед музыкантом и вокруг него было установлено огромное множество устройств: сэмплеры, синтезаторы, фортепиано, микшер, микрофоны. Всем этим Адам активно пользовался, причем с неподдельной радостью, энтузиазмом и интересом. Он перебирал клавиши рояля, создавал басовые петли в сэмплерах, вытаскивал из своих предзаписанных набросков вокальные речитативы, тоже скрученные петлей. Особенно ему нравилось нащупать что-нибудь этакое в клавишах и многократно повторить, чтобы и до слушателей тоже дошло, какое им было найдено сокровище.
После первой пьесы выяснилось: своим произведениям Адам дает поэтические названия. Произведение именовалось "В40". Следующее тоже называлось красиво - "В37" - и представляло собой два бесконечно тягучих тона, поверх которых Клиппл вызывал из небытия то танцевальный индийский ритм (отроки в зале удовлетворенно подергивались), то броуновское перебирание клавиш синтезатора. Особый восторг музыканта вызвала пьеса с жизнеутверждающим названием "В39". Адам стучал в одну ноту рояля, а потом так же долго - в другую. Разобравшись с ними в отдельности, решил играть и петь много нот одновременно и стал что-то играть кластерами.
Закончилось все примерно так, как и должно было: на сцену был выведен известный московский джаз-роковый гитарист и заиграл вместе с Адамом "авангард" - так, как понимают его мэйнстримовые музыканты: много случайных нот. Отчего в "ДОМе" появился этот гитарист? А оттого, что Клиппл вместе с ним выступал на московских концертах ансамбля Фрэнка Колона.

2 октября: Масахико Сато (Япония)
Основной принцип, благодаря которому Япония прямо из средневековья ракетой влетела в круг самых развитых стран мира: взять у Запада все лучшее и развить это до пределов возможного. Благодаря этому полезному принципу многие музыкальные жанры, за которые берутся японские музыканты, обретают в Стране Восходящего Солнца такие очертания, от которых западным создателям этих жанров становится не по себе. Если какой-нибудь жанр, кажется, уже исчерпал себя - в него небольшими боевыми отрядами, как ниндзя под покровом ночи, прокрадываются японцы, и вскоре жанр обретает гротескно-фантасмагорические черты трудно представимой сложности и глубины. Говорят, если шахта опустела, в нее нужно пустить японца, и он добудет еще много-много новой руды (не всегда той же, что добывали здесь раньше). Японские импровизаторы почти не открывают радикально новых путей, но на исхоженных западными первооткрывателями путях находят, как правило, радикально много неожиданного.
Скромный пожилой пианист Масахико Сато - один из столпов японского нового джаза. При этом он никогда не замыкался в рамках джазового авангарда, всегда с удовольствием работал в более массовых жанрах. Он писал музыку для мультипликации (от ранней ленты Хаяо Миядзаки "Panda Kopanda" до 3D-фантастики "Final Fantasy"), работал с Артом Фармером и Нэнси Уилсон, записывал альбомы в трио с титанами джаз-роковой эры - барабанщиком Стивом Гэддом и контрабасистом Эдди Гомесом. В Японии Масахико Сато имеет статус патриарха местного джазового движения: свой первый Japan Jazz Award он получил еще за самый первый свой альбом, "Palladium" (1969).
Недолгое (или это по контрасту с американским музыкантом так показалось?), но насыщенное сольное отделение г-на Сато началось с "A Night in Tunisia". Да, оказалось, что это она. Обрывочные фразы в процессе развития бурной интродукции подсказали. Изначально, в бурлении буги, это вообще не просматривалось. Хотя, когда анализируешь игру Сато постфактум - да вот же она, знакомая гармоническая сетка популярной темы, четко читается тема, да и импровизация развивается совсем "не от балды", а весьма строго по сетке. А меж тем вычленить ее из сложных, виртуозно сыгранных структур крайне непросто. Все это звучит энергично и... басовито: звуковая мощь Сато-сан базируется прежде всего на его мощной левой руке. Большая свобода изложения японского пианиста, тем не менее, весьма далека от "собаки". Авторы остереглись бы даже называть эту версию импровизационного искусства фри-джазом - поскольку в игре Сато нет жестких границ характерного для фри-джаза набора музыкальных средств. Есть совсем другое - превосходная академическая школа, развитие импровизации совершенно неджазового характера, попросту говоря - академическое мышление с большим замахом на фортепианный концерт на тему "A Night in Tunisia". Вот только все это - не академическая интерпретация композиторской работы, а импровизация!
Вторая пьеса - радикальный контраст к первой: Масахико Сато импровизирует на основе одного из экзотичных фольклорных звуковых рядов - мажорной альтерированной пентатоники, распространенной в префектуре Окинава. Получилась пряная, изящная баллада. Собственно, предположение об академических склонностях пианиста подтверждается. А вообще-то обыгрываемый им лад и некоторые фрагменты вызывают устойчивые ассоциации со 2-м фортепианным концертом Сергея Рахманинова. И, если бы не один очень специфический гармонический оборот на основе уменьшенного трезвучия, можно было бы и впрямь подумать, что Сато решил пройтись по Рахманинову.
Следует еще одна любопытная конструкция - сочинение самого Сато-сан, пьеса на основе 58 нот равной длительности (восьмых), образующих цикл. Тут развитие не столько вертикальное (аккорды), сколько горизонтальное (линейная мелодия). Хотя это явно не самоцель: резко выскакивающие синкопированные полиаккорды как будто сваи забивают в основу композиции, чтобы не развалилась. А в развитии темы гармоническая основа вообще рассыпалась подчистую, уступив место мощным хроматическим звуковым движениям.
Финал г-н Сато объявил уже на четвертой пьесе, которой оказался еще один джазовый стандарт - "Birdland" Джо Завинула, решенный японским музыкантом в виде этакого продвинутого страйд-пиано, с характерными шагающими "ум-па, ум-па" в левой руке (о, эта левая рука Масахико Сато!). Вообще говоря, некрупный седой японец в пиджачке не производит впечатления человека, способного выжимать из рояля столько звуков подобной мощности и с таким драйвом. И, что интересно, для восприятия весь этот огромный поток звуков довольно прост. Есть что послушать и неискушенному слушателю, и эстетствующему. Для каждого разложены свои крючки.
И публика благодарно попалась на все крючки, какие только ни разложил для нее Сато. Овация была такой, что последовал выход на "бис". Вряд ли Сато сговаривался с Чиком Кориа, но в знак привета именно российской публике здесь, как и на московском концерте американской знаменитости за три дня до того, прозвучало посвящение Александру Скрябину. Вот только авторы, к своему стыду, не уловили, что именно из Скрябина взял за основу Сато. Характерные скрябинские ходы были узнаваемы - но, увы, на большее наших знаний музыкальной литературы не хватило.

2 октября. Петер Брётцманн - тенор-саксофон, кларнет, металлический кларнет; Михаэль Вертмюллер - барабаны; Мариано Плякас - бас-гитара.
Обсуждать отдельные пьесы, или спонтанные композиции, великого деятеля германского фри-джаза 60-70-х - бессмыслица. Брётцманн есть Брётцманн, он создает не отдельные сочинения, а ошеломляющий, подобный водопаду или взрыву на газопроводе "Дружба" поток звука, в котором имеет значение не "что" и даже не "как", а, скорее, "сколько". На отдельные эпизоды этот поток, вероятнее всего, разделяется отчасти в силу физиологических причин (должны же музыканты когда-то переводить дух), отчасти - в силу композиционных (как в классической пьесе разные части играются в разном темпе и с разной динамикой, образуя, тем не менее, единое целое). Единица игры Брётцманна - не пьеса, а концерт.
Правда, в середине 2000-х это слушается, конечно, уже не так, как тридцать лет назад. Время великих революций в музыке (в том числе импровизационной), когда наивысшим эстетическим достижением для многих становилось возможно более интенсивное звуковое воспроизведение чувства горечи, ярости, боли и ненависти, то ли уже прошло, то ли еще не наступило. А Брётцманн - это, как и 30-35 лет назад, одна сплошная революция, у которой, как известно, есть начало, но нет конца.
Один из авторов этих строк впервые услышал Брётцманна живьем восемь лет назад в Нью-Йорке - с Владимиром Тарасовым на барабанах и Бора Бергманом на фортепиано. Тонкие, деликатные партнеры, для которых важны нюансы, баланс, детали. В сочетании с первобытным напором Брётцманна это давало эффект тропического ливня: масса падающей воды, но видно каждую каплю, и у каждой капли есть своя траектория падения, свой размер и свой "кап" в конце.
С нынешней ритм-секцией, состоящей из ватного, совершенно неразборчивого, но неимоверно громкого инфраниза бас-гитары и высокотехничной исступленной бомбардировки ударных в сугубо рокерской, чтобы не сказать - металлической манере (включая продолжительные эпизоды пулеметных очередей в басовый барабан двойной педалью), Брётцманн производит звуковой поток, аналогичный довольно продолжительному крушению линии непрерывной разливки стали. Никаких капель, только пролетающие мимо лица (и больно задевающие по барабанным перепонкам) крупногабаритные железные ломы.
Принцип композиционного построения всех частей выступления Брётцманна совершенно одинаков - трудно даже определить, с чем это связано. Сначала - ошеломляющая экспозиция, несколько минут обвала железных ломов. Затем - Продолжительный Сольный Эпизод, в ходе которого ритм-секция молча утирает трудовой пот, а ветеран германского авангардного фронта единолично обрушивает на публику запредельно экстремальный поток звукоизвлечения либо на тенор-саксофоне, либо на одном из кларнетов (он их меняет время от времени, иногда в ходе одной части). После Продолжительного Сольного Эпизода на публику вновь рушится ритм-секция, но железные ломы валятся уже не с одинаковой интенсивностью: начинаются синусоидальные взлеты и падения динамики.
Арсенал звукоизвлечения Брётцманна строится на постоянной детонации, даже в моменты понижения динамики. Причем детонация эта в самом общем виде включает два основных приема: исключительное использование расширенного диапазона инструмента плюс еще одно средство, чисто механическое - саксофонист на нотах длиннее восьмой судорожно мотает головой, добиваясь резкого, глубокого вибрато. Ту же технику он применяет и на старинном металлическом кларнете, где интенсивность вибрато доходит до прерывания тона. А кроме того, сольные эпизоды, пока ритм-секция утирает трудовой пот, выявляют еще одну особенность техники игры Брётцманна: помимо мультифонии (экстремального звукоизвлечения, строящегося на детонирующих обертонах) самого инструмента, он широко использует оглашенное дыхание - то есть, попросту говоря, поёт, одновременно играя на саксофоне: смыкает голосовые связки на выдохе, добиваясь того, что к основному тону и многочисленным обертонам его инструмента добавляется еще один тон, тон его собственного голоса, иногда унисонный с инструментом, но чаще резко диссонансный. Пока позади пронзительных зовов саксофона оглушительно рубится ритм-секция, этого, конечно, не разобрать.
Едва ли не самый показательный момент в выступлении Брётцманна - первый бис (из двух). Бис открывает длительное изложение массы негативных эмоций на кларнете под соло на малом барабане и "бочке" (бас-барабане), достойное рок-героя Иэна Пэйса из группы Deep Purple на их концертном альбоме "Made in Japan". Бас-гитара обозначает легкий пульс шлепками по звукоснимателю. Когда "бочка" начинает играть 16-ми, пульс бас-гитары становится, собственно, басовым, а кларнет все зовет на баррикады, гневно дребезжит и свистит. Резкая остановка ритм-секции: сольный эпизод кларнета на монотонно оглашенном дыхании (то есть голос Петера гудит на одной ноте, пока кларнет эту ноту всячески обыгрывает). Опять включается ритм-секция, и интенсивность звука поднимается к привычным восьми-двенадцати forte. Незабываемые переживания.

4 октября. Маркус Штокхаузен (труба, флюгельгорн, фортепиано), Тара Боуман (кларнет, бас-кларнет, бассетгорн).
Маркус Штокхаузен интересен не только тем, что он - сын крупнейшего европейского композитора XX века Карлхайнца Штокхаузена. Он, конечно, исполняет в том числе музыку отца, но при этом он - один из ярких представителей европейского импровизационного авангарда, равно укорененного и в джазовой, и в академической традиции. Он получил консерваторское образование в Кёльне и регулярно выступает на джазовых фестивалях с разными проектами. Проект, привезенный Штокхаузеном-мл. в Москву - не только успешный неоакадемический импровизационный дуэт, но и супружеская чета. Маркус и Тара играют, кроме написанных музыкальных текстов, самые разные виды современной импровизации - интуитивную, джазовую, классическую и т.п.
Стилистический диапазон того, что Штокхаузен и Боуман представили в "ДОМе", простирался от новой академической музыки до чисто тембральных импров-экспериментов, но все это было объединено звуковым решением: концерт был полностью unplugged, без малейшего участия звукоусиления, без микрофонов, без электроники. Только акустические инструменты и живой резонанс помещения, в котором даже вентиляция была выключена.
Пьесы на длинных нотах, со множеством долго тянущихся диссонансов вроде малой секунды (обычно так не делают), а то и микротональных созвучий, которым нет определения в традиционной европейской системе темперированных звукорядов. Тонкое внимание к тембровым сочетаниям: труба - альтовый кларнет, альтовый кларнет - флюгельгорн, бас-кларнет - засурдиненная труба, миниатюрная труба-пикколо - бас-кларнет, иногда плюс фортепиано (туркменская пианистка Марал Якшиева, а иногда и сам Маркус). Описать музыку сложно. При том, что она явно мозгового происхождения, то есть если и не выписана, то подумана от начала до конца, воздействие она оказывает главным образом не на мозги, а на эмоции, причем упор делается даже не на противопоставление разных эмоций, а на оттенки одного устойчивого состояния.
Это игра звуком в гораздо большей степени, нежели игра звуков. Акустическое окружение звука часто вовлекается в игру на равных правах с собственно звуком: запомнилось, как в пьесе "Little Happiness" трубач наклонился к открытому роялю и направил раструб трубы-пикколо на струны, играя соло с длинными паузами - чтобы дать слушателям послушать, как обертона струн фортепиано отзываются на чистые, прозрачные звуки маленького духового инструмента и подолгу затухают. Рояль играет, хотя за клавиатурой никого нет.
Запомнился чисто тембральный эксперимент: мягкой колотушкой Маркус минут пять обрабатывал подвешенный на его левой руке небольшой китайский гонг "бао", призвав публику вслушиваться в обертона. Обертонов этот металлический предмет и правда произвел немало, особенно учитывая, что динамика ударов колотушкой менялась от трех "пиано" до трех "форте" и обратно, а металл гонга резонирует от ударов разной интенсивности по-разному. Звук, надо сказать, действительно был очень интересный: если услышишь такое в записи, далеко не сразу поймешь, что именно звучит. Тем временем Тара ушла в противоположный угол помещения, и как только гонг затих на "три пиано" и умолк, стала играть оттуда длинные чистые ноты на бас-кларнете - так началась следующая, финальная пьеса концерта, в ходе которой слушателям предложили, на этот раз, стереофоническое звуковое переживание: Тара с бас-кларнетом и Маркус с флюгельгорном медленно сходились из разных углов помещения, постепенно сужая "стереобазу" звука (от чего едва уловимо, но заметно "плыли" и тембры обоих инструментов).

Анна Филипьева (текст)
Кирилл Мошков (текст, фото)

Грядущие события ближайших двух недель освещает  наша сводная анонсовая рубрика, где показываются основные джазовые мероприятия по всей территории России. Сегодня в этой рубрике - сводный анонс по 17 городам России до 26 октября...>>>>

Фестиваль Vilnius Jazz 2006

Как обычно, в середине октября - с 12 по 15 октября - в литовской столице, городе Вильнюсе, проходит 19-й фестиваль нового джаза и импровизационной музыки Vilnius Jazz 2006. И, как обычно, его программа обещает массу музыкальных открытий и эстетических удивлений.
Пожалуй, главное отличие нынешнего фестиваля от предыдущих - наличие в его программе конкурса молодых исполнителей Vilnius Jazz Young Power. Фестиваль на протяжении всех лет своего существования активно пропагандирует Вильнюсскую джазовую школу. За 18 лет проведения Vilnius Jazz воспитал несколько поколений литовских исполнителей и ценителей джаза. С 2006 года эта активность возрастет до пестования нового джазового поколения путем непосредственного участия в его карьере. Несколько слов о конкурсе: отборочный тур прошел в мае 2006 года. Заявки на участие в нем могли подавать группы и исполнители (не старше 27 лет), которые должны были исполнить перед жюри (в которое вошли профессионалы джазовой индустрии Литвы, а возглавил легендарный музыкант и педагог Владимир Чекасин) оригинальную композицию и любую джазовую тему из списка, предложенного организаторами. Из 10 конкурсантов было отобрано три финалиста. На концерте Vilnius Jazz Young Power в рамках фестиваля зрители определят победителя. И как говорится: "Победа - это только начало!". Vilnius Jazz планирует опекать победителя конкурса, представляя и рекомендуя его другим международным фестивалям и конкурсам. Запись концерта лауреатов будет издана в виде компакт-диска, и этим будет положено начало серии записей молодых творцов джаза.
Уникальность фестиваля Vilnius Jazz определяет его стилистическая ориентация на новый европейский джаз и импровизационную музыку: наряду с исполнителями джаза и свободной импровизационной музыки стилистические рамки фестиваля не раз расширялись за счет участия в нем представителей академической, этнической, рок- и электронной музыки. Vilnius Jazz - один из немногих музыкальных форумов Восточной Европы, дающий возможность публике за несколько дней ознакомиться со всеми происходящими в мире поворотами развития импровизационной музыки и джаза. На его сцене ежегодно представлены новейшие мировые тенденции современного джаза, а также новаторские проекты литовских джазовых музыкантов.
Беглый взгляд на программу нынешнего фестиваля сразу выделяет несколько "изюминок". Впрочем: вся программа Vilnius Jazz-2006 -это одна сплошная "изюминка"!
Откроет фестиваль выступление французского квартета Villerd-Ayler Quartet, название которого содержит в себе два имени - ныне здравствующего лидера проекта, француза Ги Виллера (Guy Villerd), и легендарного фри-джазового саксофониста Альберта Эйлера (Albert Ayler), скончавшегося в 1970 году. За свою недолгую жизнь он успел стать культовой фигурой фри-джазовой сцены и даже изобрести новый прием игры на тенор-саксофоне. Кроме презентации своего творчества и наследия своего "духовного отца", Villerd-Ayler Quartet на фестивале Vilnius Jazz примет участие в Cinesclaff'ARFI - проекте озвучивания в режиме реального времени немого черно-белого кино с легендарным комиком Гарри Лэнгдоном (Harry Langdon). Этот проект был создан по инициативе располагающейся в Лионе ассоциации ARFI ("Ассоциация по поиску выдуманного фольклора") - уникальной организации, инициирующей уникальные проекты. В 1987 году по инициативе ARFI был создан первый live-саундтрек к легендарному "Броненосцу Потемкина" Эйзенштейна, положивший началу целому циклу работ по эксперименту с озвучиванием шедевров немого кино.
Проект из Израиля Yitzhak Yedid Myth of the Cave представит так называемую "третью волну" джаза, его смесь с академической музыкой. Последователь идей Гюнтера Шуллера (который считается отцом этого музыкального направления), израильский композитор и пианист Ицхак Йедид (Yitzhak Yedid), в своем творчестве активно сочетает элементы джаза, современной академической музыки и фольклора Ближнего Востока: мелодии традиционного арабского и еврейского фольклора и структурные принципы джазовой и новой классической музыки. Представленный на фестивале проект Myth of the Cave ("Миф о пещере") базируется на аллегории, взятой музыкантом из труда Платона "Республика".
Один из наиболее активных и ярких участников финской фри-джазовой сцены - мультиинстурменталист Перти Пепа Пайвинен (Pepa Paivinen) представит на фестивале Pepa Paivinen Quartet. Джазовый трудоголик, Пайвинен принимал участие во множестве различных проектов - Anthony Braxton's Braxtonia, группа Юки Толонена, квинтет Юккиса Уотилы, EBU Big Band Палле Миккельборга. Он - один из создателей саксофонного квартета Saxperiment. С 1985 он играет в финском биг-бэнде UMO Orchestra; в 1984-1999 гг. был участником легендарного фри-джазового оркестра Эдварда Весалы Sound and Fury: его можно слышать на их хрестоматийном альбоме "Ode to the Death of Jazz" (1989). В 1997 году Пайвинен собрал собственное трио, и первый же проект "Umpsukkelis" (1999) был назван в Финляндии альбомом года. А в 2002 г. Pepa Paivinen Trio стали номинантами в категории "Лучший джазовый ансамбль" в Финляндии. С 2004 года коллектив существует в составе квартета.
Бесспорные хэдлайнеры нынешнего фестиваля - The Jamie Saft Blues Explosion - в лице гитариста и органиста Джейми Сэфта (Jamie Saft), басиста Джонатана Мэрона (Jonathan Maron) и ударника Бобби Превита (Bobby Previte), не так давно бывшего гостем сцены Kaunas Jazz.. Мультиинструменталист, композитор, продюсер Джейми Сэфт -исключительного калибра персона на downtown-сцене Нью-Йорка. Спектр его музыкальных интересов простирается от оперы до джаза. Он исполнял оперу Джона Адамса "I Was Looking at the Ceiling and then I Saw the Sky"; со своим трио создавал каверы песен Боба Дилана; сотрудничал с John Zorn's Electric Masada и Dave Douglas' Keystone. Он также известен как продюсер и саунд-инженер: он делал записи для Джона Зорна, Икуэ Мори, Зины Паркинс, Бобби Превита и Дейва Дагласа.
Проект The Jamie Saft Blues Explosion критики относят к классике нового импровизационного направления jam band. В составе группы - Бобби Превит, одна из ключевых персон нью-йоркской импровизационной сцене, один из лучших барабанщиков Нью-Йорка, партнер по музыкальным экспериментам Эллиота Шарпа и Джона Зорна, инициатор создания мультистилистических проектов (фри-боп группа Bump, соул-джаз-фьюжн проект Latin For Travellers, электронный Empty Suits, акустический Weather Clear и другие). Список сценических партнеров Бобби Превита читается как энциклопедия современной импровизационной музыки: Стив Суоллоу, Марти Эрлих, Билл Фризелл, Чарли Хантер, Лу Солофф, Уэйн Хорвитц, Стив Бернстайн, Марк Дрессер, Джейн Айра Блум, Том Уэйтс... Третий участник проекта - молодой басист Джонатан Мэрон - уже имеет в своем послужном списке сотрудничество с гитаристом Дейвом Фьючински и его группой Screaming Headless Torsos, записи с Мишелл Ндегеоселло и др.
Отрадно, что впервые за долгие годы на фестиваль Vilnius Jazz приглашен коллектив из страны постсоветского пространства. Такой чести удостоилась группа Trigon из Молдовы. В последний раз музыканты выступали в Литве на фестивале "Бирштонас-98" - это было их первое и последние до сих пор литовское выступление. С тех пор состав "Тригона" изменился и вырос из трио до квартета. А стиль, в котором играют музыканты, смело можно называть "фирменным", "тригоновским", поскольку аналогов столь талантливого и обильного смешения молдовского фольклора и джаза в современной истории музыки нет.
Литовский джаз на фестивале будет представлен интернациональным проектом молодого, но авторитетного саксофониста Людаса Моцкунаса Mockunas & Pasborg TOXIKUM Special. В квартет под такой вывеской соберутся экстраординарный французский гитарист-самоучка Марк Дюкре (Marc Ducret) - гость прошлогоднего Vilnius Jazz, французский же клавишник Поль Бруссо (Paul Brousseau) и датский ударник Стефан Пасборг (Stefan Pasborg), стоявший в 2000 году вместе с Моцкунасом у истоков создания проекта TOXIKUM. По личному признанию директора фестиваля Vilnius Jazz Антанаса Густиса, выступление TOXIKUM Special в новом экстраординарном составе станет одним из эмоциональных пиков фестиваля 2006 года.

Программа фестиваля Vilnius Jazz 2006:

• 12 октября
  Villerd Ayler Quartet (Франция)
  Trigon (Молдова)
  
  Ресторан "Neringa". Ночной джем-сейшн
• 13 октября
  Pepa Pаivinen Quartet (Финляндия)
  Cinesclaff ARFI (Франция)
  
  Ресторан "Neringa". Ночной джем-сейшн
• 14 октября
  Yitzhak Yedid "Myth of the Cave"(Израиль)
  Mockunas-Pasborg Toxikum Special (Дания-Литва-Франция)
  
  Ресторан "Neringa". Ночной джем-сейшн
• 15 октября
  Vilnius Jazz Young Power
  The Jamie Saft Blues Explosion (США)
  
  Ресторан "Neringa". Ночной джем-сейшн

Анастасия Костюкович
(журнал "Jazz Квадрат")

Ансамбль Mingus Dynasty существует уже 27 лет - он стал первым из серии мемориальных оркестров, созданных Сью Мингус, вдовой великого контрабасиста и композитора Чарли Мингуса (1922-1979). Группа вначале состояла из сессионных музыкантов, когда-то игравших с маэстро, и собралась лишь для одного концерта памяти Мингуса в Карнеги-Холле в 1979 году, сразу после его смерти. Но джазмены настолько точно передали аутентичное "мингусовское" звучание, что, получив самые тёплые отзывы, решили не расходиться.
Через десять лет участники ансамбля, носившие звание "главных продолжателей дела Мингуса", стали основным костяком созданного все той же Сью легендарного Mingus Big Band - ныне одного из сильнейших джазовых оркестров США. Впрочем, Mingus Dynasty сохранил свою "автономность": отдельно от биг-бэнда музыканты всемером гастролируют по миру и каждую неделю играют в нью-йоркском джазовом клубе "Iridium".
За 27 лет состав группы изменился. В 90-е годы к ансамблю присоединились два наших знаменитых соотечественника, живущих в США: трубач Алекс Сипягин (в ансамбле с 1995 г.) и контрабасист Борис Козлов (с 1998).
Mingus Dynasty впервые приезжает в Россию, и это - уникальная возможность услышать главные силы одного из лучших биг-бэндов США с заботливо сохраненной музыкой одного из крупнейших композиторов джаза.
Интервью Алекса Сипягина и Бориса Козлова, "Полный джаз" #363-364

31 октября - 5 ноября: легендарный трубач Николас Пэйтон (Nicolas Payton) и его группа (США): Майк Марено (Mike Mareno, гитара), Эд Хоуардс (Ed Howards, бас), Сильвия Куэнка (Sylvia Cuenca, ударные).
Николас Пэйтон, один из ярчайших трубачей современности, обладатель "Грэмми" и смелый композитор-экспериментатор, появился на свет в 1973 г. в Нью-Орлеане. Родители Пэйтона были профессиональными музыкантами и поощряли интерес будущего трубача к музыке: первая труба у него появилась уже в четыре года. Николас очень быстро развивался как музыкант и в девять лет уже играл в Young Tuxedo Brass Band.
Образование Пэйтон получил в University of New Orleans, где занимался с Эллисом Марсалисом - знаменитым нью-орлеанским пианистом, главой целой музыкальной династии, прославленной именами его сыновей Брэнфорда, Уинтона и Делфайо. В 20 лет Пэйтон уже гастролировал с ветераном джазовой трубы Кларком Терри и проектом Jazz Futures II по США и Европе, работал музыкальным директором группы барабанщика Элвина Джонса Jazz Machine, и имел контракт с престижным лейблом, успевая работать с трубачом Уинтоном Марсалисом в программе Jazz at Lincoln Center.
Звукозаписывающая карьера Николаса началась в 1995 году с дебютного диска “From This Moment”, а уже через два года он стал обладателем премии Грэмми (1997) за альбом “Stardust”, записанный вместе с Доком Читэмом. В 2001 году вышел блестящая пластинка Пэйтона под названием “Dear Louis”, посвящённая столетнему юбилею Луи Армстронга, - на нём трубач представил 12 пьес из репертуара маэстро, где не только сыграл на трубе, но и спел!
На сегодняшний день на счету Николаса семь сольных альбомов, очень разных по характеру и содержанию - он утверждает, что не желает придерживаться каких-то определённых стилевых рамок, поэтому на своей трубе он с равным успехом соединяет джаз с r’n’b, фанком и… хэви-метал. Недаром самый недавний диск Пэйтона - "Sonic Trance", номинированный на "Грэмми", - называют революционным и сравнивают по значению с культовой пластинкой Майлса Дэйвиса “Bitches Brew”.
Это первый приезд Николаса Пэйтона в Россию, и его концерты можно с полным правом назвать эксклюзивными: в компании заслуженных музыкантов выдающийся трубач представит материал нового, ещё неизданного альбома.
Le Club: ул. Верхняя Радищевская, 21. Телефон для справок и заказа столиков: (495) 915-1042. Начало концертов в 20.30

21 октября в Светлановском зале Московского международного Дома музыки в рамках серии концертов "Джазовый Олимп" играет квартет французского саксофониста Давида Эль-Малека.
В рекордно короткий срок Давид Эль-Малек занял место среди ведущих саксофонистов Европы. Виртуозность на службе у музыки и гармонии, чистота интонации, мастерское сочетание этнической музыки с корневым джазом и богатой палитрой ритмов, созданных прошедшим веком, обширные познания в области музыкальной классики - все это сделало артиста более чем джазменом, он стал, по определению французской прессы, настоящим Музыкантом.
Эль-Малек родился в еврейской семье в 1970 году во Франции, откуда через год семья переехала в Израиль. В 1979, в возрасте девяти лет, Малек вернулся во Францию, чтобы принять участие в трех национальных конкурсах исполнителей и композиторов, на которых он занял призовые места, а также получил специальную премию жюри, отметившего удивительное мастерство юного саксофониста, развившего свой дар практически без помощи профессиональных педагогов.
Поворотным моментом в карьере Эль-Малека стала победа его группы на конкурсе Vannes, что позволило молодому артисту сделать записи на Национальном радио и предпринять гастрольные туры со своей группой по всей Франции, а также выступить в Стамбуле и Монреале.
Одновременно необычная и универсальная, легкомысленная и серьезная, пылкая и нежная, его музыка сближает самые различные жанры. Малеку принадлежат саксофонные транскрипции пьес Баха, Форе, Дебюсси, Равеля, Веберна, Бартока; в настоящее время он работает над "камерным концертино" Жака Ибера и сотрудничает с композитором Винсеном Арто в процессе создания концерта для тенор-саксофона с оркестром. Среди его творческих партнеров - лучшие джазовые музыканты Франции: Ален Жан Мари, Батист Тротиньон, Пьер де Бетман.
Давид Эль-Малек часто повторяет, что джаз - это серьезная музыка. Слушая игру и композиции Эль-Малека, невозможно не согласиться со справедливостью этих слов. Помимо чисто джазовых проектов, Малек выступает с симфоническими оркестрами. Его проект "Music From Source" ("Музыка из Истока") был с успехом реализован при участии Национального Оркестра Лиона под руководством знаменитого английского дирижера и органиста Уэйна Маршалла.

20 октября, 01.15
Концерт клавишника Джо Завинула и его группы Weather Update на фестивале "Мюнхенское фортепианное лето" (зал Филармонии, Мюнхен, Западная Германия) 7 июля 1986 года (на существующем, но редко встречающемся DVD-издании этот концерт ошибочно датируется 1991 г., тогда как этот состав, созданный на свежих обломках супергруппы Weather Report, гастролировал только один раз, в 1986 г.). Участвуют: гитарист Стив Хан, бас-гитарист Виктор Бэйли, барабанщик Питер Эрскин и перкуссионист Роберт Томас-мл.

21 октября, 01.05
Незабываемый певец и пианист Нэт Кинг Коул. В программу вошли фрагменты телевизионных шоу, в которых Нэт Кинг Коул исполняет самые популярные песни из своего репертуара. Съемки 1950-60-х годов.

22 октября, 01.30
Программа "Джем-5". Трио живущего в США российского пианиста Валерия Гроховского. В программе звучат джазовые импровизации на темы популярной классической музыки. Вступительное слово Георгия Гараняна.

"Бесконечное приближение" (Радио России)
Программа (автор и ведущий Михаил Митропольский) выходит на "Радио России" с 2000 г. В связи с выходом "Радио России" в FM диапазон (частота 97,6 в Москве, с 10 апреля) изменилась сетка вещания. Программа Михаила Митропольского "Бесконечное приближение" выходит в эфир в ночь с пятницы на субботу в 0.10.
14 октября - программа из серии "Импровизация" плавно движется от пианиста и аранжировщика Гила Эванса к саксофонисту Ли Конитцу, вспоминая по ходу дела голос Стинга, Шейлы Джордан и Лори Андерсон.
21 октября программа принадлежит циклу "Голос". Голосов будет много, поскольку наличествуют джазовые хоры и ансамбли, в том числе Lambert-Hendricks-Ross, Hi-Lo's, Singers Unlimited, Andrews Sister, Four Modernaires и Four Freshmen.
17 октября на "Радио России" состоится запись программ "Бесконечное приближение", гостем которых будет Игорь Бутман. Акция приурочена к 45-летию музыканта. Но, поскольку дата не супер-юбилейная, разговор может пойти в любом направлении. Вы можете на это направление повлиять, прислав ваши вопросы Игорю Бутману на адрес автора программы Михаила Митропольского. Подпись под вопросом приветствуется.

Подкаст "Слушать здесь":
10.10.06 - #91: специальный гость - трубач и музыкальный журналист Андрей Соловьев (группа "Вежливый отказ" и другие проекты) - комментирует пьесу "How Would You Like to Have a Head Like That" с альбома "King Kong: Jean-Luc Ponty Plays the Music of Frank Zappa" скрипача Жан-Люка Понти при участии гитариста Фрэнка Заппы, саксофониста Эрни Уоттса, клавишника Джорджа Дюка и др. (Blue Note, 1969).
05.10.06 - #90: Кирилл Мошков комментирует пьесу "Saturday Night Prayer Meeting" с альбома контрабасиста и композитора Чарлза Мингуса "Blues & Roots" (Atlantic, 1960).