|
XV Международный фестиваль Kaunas Jazz 2005 (часть вторая)
Окончание. Часть первая
 Joshua
Redman Elastic Band
Чтобы услышать хэдлайнера проекта - молодого и обласканного славой
американского саксофониста Джошуа Редмана (Joshua Redman) с его
Elastic Band-ом, фестиваль Kaunas Jazz на день меняет географические
координаты и переезжает в Вильнюс (в официальном названии форума
заложена формула "фестиваль двух городов"). На низкой, на одном уровне
со зрительным залом сцене вильнюсского Дворца конгрессов - скопление
синтезаторов, электроорганов, проводов всевозможных электронных
"примочек": концепция Joshua Redman Elastic Band - радикальный отход
от принципов акустического звучания квартета, принесшего раннюю славу
молодому Редману. Elastic Band - по сути классическое джазовое
органное трио во главе с неизменным спутником музыкальных
экспериментов Редмана, одним из самых интригующих молодых органистов
Сэма Яхеля (Sam Yahel). Именно обилие сочного грува электроорганов
всех мастей, а также электрические эксперименты Редмана с разного рода
эффектами и модификациями звучания саксофонов определяют саунд группы.
 Концерт
четко демонстрирует главенство органов и саксофона, при явной
вторичности (звуковой базис) перкуссии и гитары. Может быть, просто
тандему Редман-Яхель еще не встретились "их" гитарист и ударник? Ведь
появлению Elastic Band’a мир обязан совершенно спонтанной встрече
Редмана с Яхелем, как-то позвонившего Джошуа с предложением сыграть
вместо заболевшего саксофониста. В тот вечер на джеме в клубе Smalls
на Манхэттене между музыкантами что-то вспыхнуло, из чего впоследствии
и разгорелся огонь Elastic Band’a. А вот постоянного гитариста, как и
ударника, у группы нет: в Каунасе четверку замыкали известный
чикагский гитарист Джефф Паркер (Jeff Parker) и барабанщик трио и
септета Чика Кориа - Джефф Баллард (Jeff Ballard).
Выступление на "Каунас Джазе" - старт европейского турне Joshua Redman
Elastic Band в поддержку их нового альбома "Momentum" (кажется, в
названии есть некий намек на альбом “Momentum Space” (1999) отца
Редмана, тоже саксофониста, Дьюи Редмана - Dewey Redman), релиз
которого на лейбле Nonesuch состоится 24 мая (параллельно там же
выходит дебютный акустический альбом Редмана с SFJazz Collective,
арт-директором которого он является).
Первое отделение музыканты играли как-то нехотя, будто бы над ними
стояла учительница с длинной линейкой. Едва протянули сет в 40 минут,
чтобы не зевнуть в унисон с публикой: было ощущение, что от музыки не
получают удовольствия ни зрители, ни сами музыканты.
 После
перерыва в них словно что-то щелкнуло, и перед публикой предстал тот
самый Elastic Band и тот самый Редман, сотню громких дифирамбов о
которых можно прочесть на страницах самых авторитетных джазовых
изданий мира. По духу программа Momentum близка к тому, что делает Рой
Харгроув в RH Factor, но в отличие от него Редман ни на йоту не
заступает за границы именно джазового поля, и не впускает перебежчиков
с поп- и рэп-фронта. Мало кто из музыкантов нового поколения умеет в
своей музыке так же изысканно и филигранно, как Редман "смешивать, но
не взбалтывать" классическое наследие джаза с современностью. Сегодня
он широко использует электронику: как гитарист, имеет на сцене свой
собственный бокс и активно пользуется педалями на полу для получения
различных эффектов звучания саксофона. Трески и шумы, поначалу
воспринимаемые тревожно, как неполадки со звуком, на деле оказываются
умышленными "перчинками" всевозможных электронных глитчей и скрэтчей.
Именно стилистическая эластичность заложена Редманом в название бэнда:
"Суть в том, что, играя фанк, мы одновременно свингуем!", - признается
он после концерта. Собственно музыка - услада для ушей тех, кто
ностальгирует по приправленному щедрой горстью R&B фанку с объемным,
упругим и плотным звуком электроорганов: обилие боповых гармоний в
сочетании с фанковым грувом и детально структурированными, очень
мощными партиями саксофона.
Великолепные сочные пассажи Сэма Яхеля на Fender Rhodes чередуются с
"говорящими" соло Редмана: точные фразы его саксофона становятся из
года в год все более выразительными и индивидуальными. Слышны все
обертоны, все нюансы, вся звуковая палитра. Эта тембровая доминанта
приводит к тому, что восприятию становятся доступны все тонкости
взаимодействия музыкантов, вся их чудесная техника. Ухо выхватывает
наследие стиля Weather Report и органного трио Джона Маклафлина, funky
аранжировку "The Crunge" Led Zeppelin и трип-хоповую версию стандарта
"Lonely Woman" Орнетта Коулмэна (к слову, отец Джошуа, легендарный
саксофонист Дьюи Редман, играл с Орнеттом в начале 70-х гг.). А крайне
эффектная ритмическая вязь пьес "Swunk" и "Sweet Nasty" делает их
опасными конкурентами хитов с первых строчек любых музыкальных чартов!
Coco Mbassi & Band
 Приглашение
из Парижа группы камерунской певицы и композитора Коко Мбасси (Coco
Mbassi) было во многом обусловлено громким успехом на каунасском
фестивале 2002 года другой камерунской звезды - Ричарда Бона (Richard
Bona). Надо сказать, что музыкальные почерки Бона и Мбасси во многом
сопоставимы, кардинальная разница разве что в половой принадлежности
исполнителей (пение Коко напомнило также записи Хадьи Нин). Коко
Мбасси работает в стиле Afro-Jazz, ни на шаг не углубляясь в джазовый
лес, но часто заступая на территорию World и поп-музыки.
Коко родилась в Камеруне в 7 лет выиграла свой первый вокальный
конкурс на родине. Переехав с семьей во Францию в возрасте 13 лет,
Коко затем поступила в Парижский университет и начала петь в
госпел-хоре. Шесть лет спустя началась ее блестящая карьера
бэк-вокалистки в ансамблях звезд - от Салифа Кейта до Ди Ди Бриджуотер
и Демиса Руссоса. В 1996 году Коко Мбасси удостоилась титула
"Открытие" от Radio France International. Первый же сольный альбом "Sepia"
(2001) был отмечен премией германских критиков и попал в число
номинантов на престижную премию BBC Radio World Music Award.
Приехав в Каунас на следующий день после выступления на таллиннском
фестивале JazzKaar, Коко то и дело путалась в географии, и в итоге под
занавес исполнила на эстонском (!) балладу эстонской звезды вокального
джаза Хедвиг Хансон. Не сказать, что так же удачно: слишком уж горяча
каждая клеточка ее тела. В общем, холода было маловато. К слову,
afro-white стилистика эстонской певице дается куда лучше, чем северные
мотивы - африканке. Хотя в обоих случаях срабатывает негласное
правило: "с этим надо родиться" - понятие, перед которым пасует любое
музыковедение. То, что делает на сцене Коко Мбасси - это именно то
искусство, с которым нужно родиться. И тогда песня о несчастной любви
камерунской девушки к парню из соседнего селения звучит как блюз, а
народная считалочка, переложенная на джазовый мотив, наполняется
свингом. Но взрыв эмоций в зале вызвало даже не пение Коко, а ее
танец: сбросив изысканные туфли на высокой шпильке, она исполнила
такой зажигательный африканский танец, что зал просто взревел, и на
бис Коко вызывали уже криками: "One more dance, ple-e-e-a-ase!”.
Marilyn Mazur Future Song
 Одна
из самых экстравагантных джазовых перкуссионисток Мэрилин Мазур,
известная по сотрудничеству с такими мэтрами, как Майлс Дэйвис, Ян
Гарбарек, Арильд Андерсен, Нильс-Хеннинг Эрстед Педерсен, привезла в
Каунас свой проект Future Song.
Перкуссионистка, композитор, вокалистка, пианистка, танцовщица и
бэнд-лидер Мэрилин (наполовину полька, наполовину африканка) родилась
в Нью-Йорке, а в возрасте 6 лет с семьей переехала в Данию. Ребенком
она начала играть на фортепиано и заниматься балетом. В 1973 году
Мазур собрала свою первую музыкальную команду Zirenes, в которой
выступала как композитор и пианистка. С 1975 года она начала пробовать
себя в качестве перкуссионистки в различных группах (перкуссию Мазур
изучала в Королевской Датской Консерватории). В 1985 г. на записи
альбома "Aura" Палле Миккельборга (Palle Mikkelborg) состоялось
знакомство Мазур с великим трубачом Майлсом Дэйвисом, у которого она
проработала до 1989 г., после чего сконцентрировалась на собственном
проекте Future Song.
 Мазур
не скрывает, что идея Future Song пришла к ней именно во время мировых
турне с Майлсом: "группа музыкантов со всего мира, исполняющая
вселенскую музыку человеческих чувств". Сегодня Future Song - это
Мэрилин Мазур, вокалистка Анна Кеманис (Anna Kemanis) из Калифорнии,
датские саксофонист и флейтист Ханс Ульрик и басист Клавс Ховман,
немецкая пианистка хорватского происхождения Эльвира Пленар,
норвежские ударник Одун Клейве (Audun Kleive) и гитарист Эйвинд Орсет
(Eivind Aarset), постоянный участник проектов Нильса Петера Мольвяэра.
Уже второй альбом группы, "Small Labyrinths", вышел на одном из самых
авторитетных европейских лейблов - ECM (1994), благодаря тому, что
Мазур с 1991 г. участвовала в проектах одной из главных звезд ECM -
саксофониста Яна Гарбарека. В Каунасе музыканты исполнили программу
самого свежего своего альбома - "Daylight Stories" (2004), перемежая
ее новыми композициями.
С первых же тактов зал накрыла полупрозрачная дымка эзотерики и
экзотики. Мэрилин, как циркачка, орудовала среди настоящего леса из
перкуссии со всего мира: как рассказала нам Мазур после концерта,
коллекционирование различных перкуссионных инструментов - ее давняя
страсть. Так что ее дом давно уже напоминает музей перкуссии,
подсчитать число экспонатов которого нет никакой возможности. Смеясь,
Мэрилин поведала, какой шок обычно вызывает ее гастрольный багаж у
таможенников, который принимают его то за контрабанду, а то начинают
искать "бомбу" среди диковинных по форме инструментов. Самым
экзотическим инструментом своей коллекции Мазур назвала маленький
китайский колокольчик, после удара по которому его надо быстро
раскручивать в воздухе на длинной веревочке, и тогда звук получается
совершенно прозрачным.
Также Мазур призналась, что, несмотря на то, что во многом ее музыка
инспирирована индийской музыкой, Индия до сих пор остается страной ее
мечты, где она еще ни разу не была…
Писать о музыке Future Song - неблагодарный труд: словами и терминами
ее не описать, разве что эмоциями и ассоциациями. Живая музыка неживых
инструментов: то минорная, бормочущая, то громкая, сплетенная из самых
радостных звуков, но так же гладко ложащихся на ухо. И даже сквозь
самые грустные мелодии здесь проглядывает совершенно искренняя любовь
к жизни.
Понадобится воображение, чтобы все правильно понять и воспринять.
Закройте глаза, отключитесь от внешнего мира, отбросьте клише и
маркетинговые уловки: перед вами искусство в чистом виде. Так шумит
море и лес, так поет природа. Вы ощутите причастность к ней, не
исключая мертвых городов исчезнувших цивилизаций и еще не обретших
физических очертаний мультикультурных мегаполисов будущего. Музыка,
построенная на смене гармоний, без пренебрежения мелодией и часто
повторяющимися квадратами мотивов. Эклектическая смесь негромкого
джаза с глубинным world в духе Яна Гарбарека, акустической психоделики
раннего Pink Floyd и джаз-рокового наследия Майлса Дэйвиса,
приправленная толикой инди-рока и клочками воспоминаний из
хиппи-юности. В ней холодноватый электронный саунд электрогитары,
красивый, как узоры мороза на стекле, выступает связующим звеном со
звучанием индастриала. А совершенно живые звуки перкуссии и местами
абсолютно джаз-роковая ритм группа - как брызги текилы или горячего
чая с жасмином, если хотите. Вселенская тоска медитативного,
совершенно бестелесного вокала Анны Кеманис в унисон с экстатическими
партиями джазового саксофона…
Песни будущего, созданные приверженцами антиглобалистского world
fusion, заставляют задуматься именно о планетарной общности всех
инструментов и всех рождаемых ими мелодий. Ибо в звуках этой собранной
со всего мира по крупицам перкуссии в исполнении интернациональной
команды музыкантов - целая Вселенная, и она смотрит на тебя взглядом
телепата, и ты не можешь оторваться…
PercaDu
 В
продолжение путешествия по миру перкуссии - следующий концерт
фестиваля, "темные лошадки" его программы - израильский дуэт PercaDu (Томер
Ярив и Ади Мораг) . Название проекта - слияние первых слогов
“Percussion” и "Duo". И способ получения названия, и музыка, которую
играет дуэт, вызывают прямые ассоциации с популярным в начале 90-х
датским Safri Duo, название которого также произошло от суммы первых
букв фамилий музыкантов Savery и Friis. Safri начинали как авангардный
проект, а потом с головой ушли в clubbing.
Израильскому PercaDu в следующем году будет 10 лет: дуэт был создан во
время учебы Томера и Ади в Rubin Academy of Music Тель-Авивского
университета. В 2002-м музыканты вместе окончили датскую Королевскую
Академию музыки. До недавнего времени Томер и Ади были солистами
израильского филармонического оркестра, и как отголоски сего
"классического сотрудничества" - обилие в репертуаре дуэта аранжировок
произведений Баха, Равеля, Стравинского... Первый альбом PercaDu "Works
for Marimba and Percussion" вышел в 2002-м и состоял в основном из
произведений современных израильских композиторов, написанных
специально для них.
 До
начала выступления на "Каунас Джазе" PercaDu были "темной лошадкой" в
его программе. Первые, весьма стандартные композиции для маримбы,
исполненные дуэтом, ничем особенно не поразили: да, отличная техника,
удивительно точный синхрон, но при чем тут джаз?.. Перелом в
настроении публики, да и самих музыкантов случился, пожалуй, на
четвертой пьесе - "Fingertips": парни вышли на авансцену, взяв в руки
совершенно диковинные инструменты. "Это НЛО - прямиком с Марса!" -
пошутил Ади Мораг, показывая редкий швейцарский инструмент в виде двух
спаянных металлических тазов. Звук эта штука выдает совершенно
невероятный - что-то среднее между маримбой и фортепиано! В это время
пальцы Томера выбивали гулкую дробь то на модерн-версии
западно-африканского джембе, то на огромном нигерийском глиняном
кувшине-барабане уду. Надо отметить, что сцена вообще напоминала музей
перкуссии: четыре вибрафона и маримбы, две или три ударные установки,
гонг и масса мелкой перкуссии со всего мира (музыканты дуэта в
совершенстве владеют игрой на 52 различных перкуссионных
инструментах!). Исполняя пьесы в четыре руки, многие из которых
написаны для трех и более перкуссионистов (как, например, "Спиричуэл
для маримбофона" современного японского композитора Минору Микки),
музыканты, как молнии, сновали по сцене, порой совершая цирковые по
ловкости трюки. От современной классики перешли к старинным еврейским
мелодиям, а затем устроили настоящий drum-театр, исполняя пьесу Тан
Дуна "Orchestral Theatre No. 1", громкий и неистовый финал которой
увенчали боевые выкрики на японском!
15 минут оваций и три биса - привыкшую каждый год удивляться
каунасскую публику не так просто поразить, скажу вам. На прощание -
"Полет шмеля" Римского-Корсакова, исполненный на одной маримбе в
четыре руки: при этом музыканты двигались во все нарастающем бешеном
темпе вокруг инструмента то по часовой стрелке, то против. Цирк!
Нашлись в зале и те, кто недовольно фыркал: "Это академическая музыка,
при чем тут джаз!". Но, слушая Римского-Корсакова и Мики в исполнении
PercaDu, ни на минуту не задумываешься о том, что один из них
"классик", а другой - "авангардист". В интерпретации дуэта вся музыка
звучала как не имеющая времени и пространства, и тем более
узкожанровой принадлежности: тот же "Полет шмеля" дает широчайшее поле
для импровизации в смысле бесконечности вариаций темпа его исполнения,
и в какой-то мере является исключительно джазовым по духу. Так что два
главных козыря "Каунас Джаза" - демократичность и полистилистичность в
очередной раз восторжествовали!..
 Финал
фестиваля - "концерт по просьбам зрителей" - совместное выступление в
Вильнюсе Philip Hamilton Group (американского вокалиста и
перкуссиониста Филиппа Хэмилтона) и саксофониста Грега Осби, в первый
раз покоривших сердца литовцев на "Каунас Джазе" 2004 года. Но 10 дней
джазового марафона и последний автобус до Минска, уходящий за час до
начала концерта - вот две причины, по которым я сказала себе в этот
раз "No more jazz!". И нет мне за это прощения
 Анастасия
Костюкович,
журнал "Jazz Квадрат" (Минск, Беларусь)
фото: Билл Пэл (США),
Грита Радзевичюте (Литва)
Фестиваль - это всегда не только музыканты, которые на нем выступают;
это еще и люди, которые организуют фестиваль. Именно благодаря своим
продюсерам фестиваль может стать (ну, или не стать...) музыкальным
событием.
"Каунас джаз" - это его бессменный арт-директор Йонас Ючас.
Портрет юбилейного фестиваля в Каунасе мы завершаем беседой с г-ном
Ючасом, который рассказывает о том, как фестиваль стал таким, каков он
сейчас...>>>>
|
15
мая в полдень в Новосибирске скоропостижно скончался один из самых
известных джазовых музыкантов Сибири, когда-то лучший вибрафонист страны
Игорь Уваров.
Сергей
Беличенко
15
мая в Москве от инсульта умер в реанимации музыкант Иван Соколовский,
выпускник МГУ, автор работ о постмодернизме и пост-историзме, а также о
русской религиозной философии конца девятнадцатого - начала двадцатого
столетия, разносторонний клавишник-самоучка. 
Группа
исполнила произведения композиторов новой венской школы - Антона Веберна
и Арнольда Шенберга - в новоджазовой обработке. Среди других проектов
группы - обработки индейской музыки и грегорианских хоралов Хильдегарды
Бингенской, музыканты планируют также сделать переложение "Квартета на
конец времени" Мессиана. 
Григорий
Дурново
1-4
июня в Москве играет российско-американский джазовый дуэт
"Диалог" - Эдди Паренти, США (скрипка) и Александр Виницкий
(гитара).