|
Слово к читателям |
|
 11 февраля
поступает в широкую продажу первый в текущем году номер печатного
журнала "Джаз.Ру".
Мы тщательно готовили номер, в котором, как обычно, есть репортажи с
джазовых фестивалей и концертов (Москва, Вильнюс, Таллинн и Тарту),
есть портретные очерки о юбилярах (гитарист Майк Стерн) и ушедших
(пианист Оскар Питерсон, саксофонист Станислав Григорьев) и
представление новых имён (вокалист Александр Андреев). Анна Филипьева
продолжает разрабатывать тему мастер-классов известных музыкантов,
причём на этот раз мастер-класс у нас двойной - это диалог московских
барабащиков Александра Машина и Петра Талалая; а саксофонист Олег
Киреев в своём интервью рассказывает не только о своём творчестве, но
и о своём клубе "Союз Композиторов". В рубрике "Не джаз" Юрий
Льноградский беседует с канадской скрипачкой Таней Калманович, а
руководитель Нью-Орлеанского джазового архива Брюс Рэйбёрн
рассказывает не только о деятельности Архива, крупнейшего центра о
изучению ранней истории джаза, но и о своём отце - саксофонисте Бойде
Рэйбёрне. Как обычно, нью-йоркский журналист Курт Готтшалк сообщает
самые последние новости с переднего края развития импровизационной
музыки в столице мирового джаза; а кроме того - в новом номере есть
целых две авторских рубрики: к уже знакомой нам колонке Алексея
Козлова "Феномен импровизации" добавляется персональная колонка
патриарха российской джазовой критики Владимира Фейертага. Наконец,
60-страничную тетрадку номера завершает подробная программа фестиваля
"Триумф джаза", который состоится 17 февраля. А мы тем временем уже
работаем над вторым номером, который поступит в продажу в середине
марта!
Напоминаю, что этом году,
как и в предыдущем, мы планируем выпустить восемь тетрадей печатного
журнала «Джаз.Ру», две из которых (а не одна, как в 2007-м) по объёму
и нумерации будут двойными - те, что завершают первое и второе
полугодия. Прямая редакционная подписка на наш журнал доступна в
течение всего года, а это означает, что
подписаться вы можете прямо
сейчас!
 Ну
и вот ещё что: даже если вы не подписаны на журнал, 13 февраля в 20:30
вы можете прийти в клуб "Союз
композиторов", послушать в рамках презентации номера новаторский и
вообще очень интересный квартет саксофониста
Алексея Круглова (который через день
улетает в Польшу выступать на фестивале в Бельской-Бяле
Bielska Zadymka
Jazzowa) и по окончании концерта предъявить менеджеру клуба свой
билет и бесплатно получить свежий номер журнала!
 От
лица редакции «Джаз.Ру» -
Кирилл Мошков
редактор
|
|
|
|
|
Как это было в Москве
|
|
Чак Лоэб, Эрик Мариенталь
Основные джазовые события конца января в Москве - два эстетически
полярных концерта, один из которых состоялся в культурном центре «ДОМ»,
а другой - в рок-клубе «Б1 Maximum», где с некоторых пор проходят так
называемые «Джазовые четверги». Степень джазовости этих четвергов,
впрочем, обычно невелика (современный коммерческий фьюжн, smooth jazz и
т.п.), но 31 января жаловаться было не на что - в Б1
играла своего рода суперсборная «современного» джаза, то есть
общедоступной (но не такой сладкой, как smooth) версии фьюжн. В таком
составе эти музыканты никогда раньше не выступали вместе: Эрик
Мариенталь (альт-саксофон), Джефф Лорбер (фортепиано, клавишные), Джимми
Хаслип (бас), Чак Лоэб (гитара) и Уильям Кеннеди (ударные), плюс
организатор и вдохновитель приезда этого суперсостава contemporary jazz
в Москву (а заодно - в Киев и Одессу) Сергей Чипенко («Транс-Атлантик»)
на клавишных инструментах. Получилась, надо сказать, мощная группа, в
которой суперпрофессионализм всех участников не подавляет их
креативность (как это сплошь и рядом, увы, случается в жанре
contemporary), а расчётливая комфортность и бесконфликтность студийных
записей уступает место горячему, моторному и живому концертному
исполнению, где импровизация (пусть и развивающаяся по несложным законам
contemporary) играет не подчинённую, а главную роль. Состав играл музыку
и Мариенталя, и Лоэба, и Лорбера, и Хаслипа, и их материал временами
звучал даже агрессивно, по-джаз-роковому. Спокойнее и умереннее всего (и
ближе всего к приятному smooth jazz) прозвучал как раз материал
российского участника, Сергея Чипенко.
«Джаз.Ру» взял интервью у Эрика Мариенталя (читайте его во втором номере
печатного «Джаз.Ру» в середине марта), а Чак Лоэб, Джефф Лорбер и Джимми
Хаслип щедро поделились с нашими читателями своими рекомендациями для
рубрики «Что слушаем», так что следите за будущими номерами «Джаз.Ру»!
 Идейно-художественным
антиподом этого концерта оказался вечер 22 января, когда в
культурном центре «ДОМ» выступил квартет нью-йоркского
контрабасиста Уильяма Паркера. Уильям Паркер учился искусству
джазового контрабаса у столпов сцены 60-х - Джимми Гэррисона из квартета
Джона Колтрейна и Уилбура Уэра из ансамбля Телониуса Монка. Как и многие
другие музыканты его поколения, Паркер в 70-е прошёл через так
называемую «лофт-сцену» - эпоху, когда нью-йоркские экспериментаторы
оказались вытеснены из клубов в «лофты» (пустующие индустриальные
здания), где проводили джемы и концерты для крайне узкого круга
слушателей. В 80-е Уильям Паркер был членом Cecil Taylor Unit - ансамбля
выдающегося авангардного пианиста Сесила Тейлора, а в 90-е, эпоху
процветания нью-йоркской экспериментальной и импровизационной сцены,
играл практически со всеми звёздами Даунтаун-авангарда - от барабанщика
Рашида Али до саксофонистов Джона Зорна и Петера Брётцманна. Он был
членом David S. Ware Quartet - одного из ведущих коллективов джазового
авангарда конца XX - начала XXI века, работает над множеством
собственных проектов. Вместе с женой, Патрисией Николсон-Паркер, он с
1996 ежегодно проводит в Нижнем Истсайде на Манхэттене важнейший
фестиваль Даунтаун-авангарда - Vision Festival.
Паркер уже бывал в Москве, в том числе с одним из самых постоянных своих
партнёров - барабанщиком Хамидом Дрейком. С Дрейком он выступал и на
этот раз, плюс трубач Луис Барнс (Lewis Barnes) и тенор-саксофонист Роб
Браун.
В 1 номере печатного «Джаз.Ру» за этот год (который поступает в продажу
в Москве буквально в ближайшие выходные!) Паркер и Луис Барнс
представляют нашим читателям свои рекомендации в рубрике «Что слушаем» -
из их рекомендаций становится ясно, что у этих музыкантов колоссальный
музыкальный кругозор и очень открытый подход к жанрам, стилям и т.п.,
что, кстати, замечательно слышно в той музыке, которую они играют. Мы
готовим подробный рассказ об этом концерте для «Джаз.Ру» #2-2008
(кстати, прямая редакционная подписка на журнал продолжается!), а пока
отсылаем тех, кто интересуется подробностями, к отличному, хотя и
по-газетному краткому
материалу Григория Дурново в «Газете» за 23 января. Кстати, именно
перу Григория принадлежит и следующий материал, на этот раз написанный
специально для «Полного джаза».
"Второе приближение" и Алексей Козлов, 30 января
 Московский
клуб «Союз Композиторов», в эти дни празднующий первую годовщину со дня
основания, предлагает разным музыкантам площадку для экспериментов. И
вот один из резидентов клуба саксофонист
Алексей Козлов привлек к созданию новой программы трио «Второе
Приближение» (Андрей Разин - фортепиано, голос, Татьяна Комова -
голос, перкуссия, Игорь Иванушкин - контрабас, голос). Программа
называлась «Два обэриута» и была посвящена Николаю Олейникову и Николаю
Заболоцкому. В начале концерта Козлов кратко рассказал о творчестве и
трагической судьбе обэриутов, после чего началась собственно музыкальная
часть.
Первое отделение шло почти без остановок, лишь раз его прервали
аплодисменты. Под аккомпанемент трио Козлов читал стихи то Олейникова,
то Заболоцкого, время от времени переключаясь на саксофон. Следует сразу
отметить, что специально к этой программе никто из участников не стал
сочинять новых произведений. Использовались уже имевшиеся номера Козлова
и трио, а также немалое количество чужого материала, причем как
джазового - тема Орнетта Коулмена, - так и классического, подчас совсем
расхожего: «Лебедь» Сен-Санса, «Шествие гномов» Грига, «Песня о
встречном» Шостаковича. «Второе Приближение», тяготеющее к хулиганскому,
постмодернистскому смешению стилей, избрало эту тактику почти для всего
концерта. Иногда музыкальное сопровождение идеально ложилось на
поэтический текст - фортепианные эскапады Разина, голосовые переливы
Комовой и урчание контрабаса Иванушкина отобразили и безумный вихрь
«Цирка» Заболоцкого, и жутковатый галоп в его же «Меркнут знаки
зодиака». Особенно сильно прозвучал финал «Искушения» того же поэта,
когда Козлов хором с Комовой вкрадчиво и зловеще проговаривали: «Все
в сапожках золотых, / Очень, очень до-ро-гих...» Вообще голос
Комовой - использовала ли она элементы народного пения, скворчала ли,
хохотала ли - оказался для обэриутского абсурда наиболее адекватным
музыкальным инструментом.
Со стихами Олейникова все вышло, как представляется, несколько менее
удачно. Сложность здесь заключается, видимо, в том, что в его стихах
одновременно с издевательством проскальзывает и лирика, и трагизм,
которые при недостаточно глубоком прочтении могут потеряться. Особенно
наглядно это прозвучало в стихотворении «Муха»: музыкантам удалось
передать лишь комичную, нелепую историю о том, как человек влюбился в
насекомое, и финальная строка «О муха! О птичка моя!» логичным
образом вызвала смех в зале. А ведь ту же «Муху» можно было бы и
прочитать, и сыграть, отразив весь заложенный в ней трагизм. Кстати,
опыт Козлова не первый: точно так же поверхностно положил «Муху» на
музыку композитор Леонид Десятников, включивший ее в песенный цикл
«Любовь и жизнь поэта» на стихи Олейникова и Хармса. В исполнении
Козлова и «Второго Приближения» наиболее ярким из олейниковских стихов
получилось «Чревоугодие», завершившее программу - здесь макабрический
дух был передан на сто процентов.
Ближе к концу второго отделения в виде отдельных номеров были
представлены два стихотворения Заболоцкого, написанные уже после ссылки,
в которых нет следов обэриутского абсурдизма - «Слепой» и «Некрасивая
девочка». И выяснилось, что они еще труднее для музыкального
сопровождения, чем стихи Олейникова. Козлов и «Второе Приближение»
решили проиллюстрировать эти два произведения музыкой ровной и
мелодичной, напоминающей джазовые баллады, но на этом фоне что «Слепой»,
что «Некрасивая девочка» с их нарочитой кричащей декларативностью
прозвучали довольно бедно.
Впрочем, если учесть, что концерт в «Союзе Композиторов» - только начало
работы над программой, посвященной обэриутам, то, зная готовность
музыкантов исследовать новые музыкальные пространства, есть все
основания надеяться, что уже имеющийся материал обогатится новыми
красками, новыми измерениями и новыми произведениями.
 Григорий
Дурново
|
|
|
Говорите,
вас слушают |
 Сегодня
мы слушаем Владимира Данилина,
одного из лучших джазовых аккордеонистов мира. Аккордеонистов в джазе
очень немного, и так приятно сознавать, что один из самых совершенных
мастеров этого редкого в джазовом мэйнстриме инструмента живёт в Москве,
точнее - в Люберцах!
За всё время существования «Полного джаза» Владимир Данилин
всего однажды (2000) дал нам интервью,
и вот сегодня, семь с половиной лет спустя - вторая встреча с этим
скромным и, в общем-то, немногословным музыкантом. С «Данилой-мастером»
после его выступления в клубе «Союз Композиторов» 22 января беседует наш
молодой автор Ольга Ягова.
Настроение публики во многом зависит от того, как мы играем. Здесь,
конечно, не так много народу, но, чувствую, здесь есть люди понимающие
(кто-то с задних столиков кричит «Браво!»). Люди все разные. Кто-то
сдержанней, кто-то прямо свои эмоции выражает.
Где вы больше любите играть- в таких уютных клубах или на больших
площадках?
Вы знаете, по-разному. Многое зависит от звука, от «озвучки». Бывает, и
в маленьком клубе уютно, а на большой сцене - никак, потому что там
главная задача, чтобы у нас был звук и чтобы большой зал озвучить.
Главное, что нужно найти - это игровое настроение. Когда настроение
игровое, тогда многие неудобства, связанные со звуком, отступают на
второй план. Главное, что нажимать, как играть….
Сейчас модно использовать в музыке фольклорные мотивы. Как вы
относитесь к этому и к народной музыке в целом?
Я знаю многих музыкантов, кто экспериментировал в этой области… Я слышал
какие-то удачные эксперименты, как мне кажется. Честно говоря, я -
сторонник традиционного джаза. Не знаю…
Даже на аккордеоне?
Ну на аккордеоне ведь не будешь играть русскую «Цыганочку» в чистом
виде. Это вряд ли будет клеиться с тем, что мы играем. Но в любом случае
я приветствую чьи-то попытки соединить эти два жанра. Мне пока хватает
того, чем я занимаюсь. В этом ещё можно ковыряться, копаться,
углубляться и расширяться.
Я знаю, что вы в детстве занимались виолончелью…
Не, да какой там занимался! Просто аккордеон в те времена был как бы
полузапрещённым инструментом, всё-таки послевоенное время, он, как
западный инструмент, не преподавался тогда в музыкальных школах. Мне
предлагали на баян, я – в слёзы, категорически нет. В конце концов, меня
уговорили на виолончель. Ну, я вроде как согласился….
И сколько классов закончили?
Да нет, какие там классы! Мне купили виолончель, я занятия два-три
посетил, наверное, не больше. Я дома провёл по этим струнам неумелой
рукой...И понравилось?
 Нет!
Жутко не понравилось. У меня бабушка просто скоро всех чертей прокляла и
вышла из дома. Всё, я - в слёзы, и виолончель на этом закончилась.
Аккордеон. Я уже упёрся: не буду ни на чём играть, кроме аккордеона. И
потому уже начал как-то там учиться с частными учителями, то один
какой-то дяденька подучил, то какая-то женщина. В общем-то, формального
образования не получил, а когда переехал в Люберцы, мне тогда было 15
лет - пошёл в музыкальную школу. Я в то время уже и джазом начал
заниматься на аккордеоне, так что меня взяли в третий класс, играл я уже
прилично. К тому же у меня был опыт работы в пионерском лагере, играли
там на танцах. За год я закончил 3-4 классы.
А потом уже было училище, когда я ушёл от аккордеона и стал играть на
фортепиано. Со временем я закончил училище, эстрадно-джазовое отделение.
Ну, я не скажу, чтоб учёба мне много дала. В том плане, что там
педагоги-то были…мы вообще были друзьями. Просто они успели получить
образование, а мы - нет, поэтому они стали нашими педагогами, хотя
многие из нас играли лучше. Всё это было условно: учителя - ученики,
скорее это был хороший дружеский коллектив.
У меня аккордеон раньше всегда ассоциировался с Францией. Что вы
думаете по этому поводу, как относитесь к французским аккордеонистам?
Ну да, да, да…. Я прекрасно отношусь к французской музыке, но мне не
хочется распыляться. Когда меня приглашают итальянскую или французскую
музыку играть на банкетах, организации там всякие гуляют - я, как
правило, отказываюсь. Я говорю, давайте я вам лучше найду кого-нибудь.
Всегда приятнее играть в компании, где поют советские песни, хорошие это
песни. За столом не будут петь ни Пугачёву, ни Алёну Апину, а будут петь
«Хасбулат удалой» или что-нибудь из золотого фонда советских песен.
Говорят, у вас аккордеон какой-то особенный. Мне бы хотелось узнать о
нём поподробнее.
У меня просто есть один человек, которому очень нравится аккордеон,
особенно джазовый. Это был его частный подарок. Я зарёкся летать на
самолётах, но за этим аккордеоном я полетел в Италию вместе с этим
товарищем.
И оно того стоило?
Да. Это джазовая модель. Он не обычный аккордеон с ладами-разливами. В
принципе, для джаза нужно всего два регистра, они здесь есть. Тут много
очень интересных, необычных регистров, но я редко ими пользуюсь. В
основном использую фагот и кларнет - вот эти два регистра.
Не тяжело ли играть на аккордеоне, всё-таки это довольно громоздкий
инструмент?
Ну, аккордеон - да. Он как-никак считается духовым инструментом: воздух,
меха. Он отличается от фортепиано. А что касается, тяжело-нетяжело, то -
нет, легко. Главное, что бы он был хорошо озвучен, потому что если будет
плохая «озвучка», то меня забьют барабаны, электрогитары.
Главное - звук?
Да, звук очень важен. Можно разорвать аккордеон на две половинки, и всё
равно не будет ничего слышно. Вот, кстати, то, с чего начали - вернулись
к проблеме озвучивания.
Есть ли у вас любимые композиции среди тех, которые вы исполняете?
Джазовых тем - миллион, ты всегда выбираешь то, что тебе ближе. Потом,
аккордеон всё-таки особый инструмент, это всё равно не труба, не
саксофон. Но в джазе его нельзя использовать как обычный аккордеон,
всё-таки это что-то между духовыми и чем-то…даже не знаю, что могло бы
выразить новые идеи, не свойственные обычной аккордеонной игре. Мы
играем мэйнстрим, основное течение. Я не сторонник залезать в какие-то
дебри, где я не силен, потому что в любом течении можно крепко вариться.
Многие звёзды джаза играли всю жизнь в этом направлении, так что
необязательно скакать туда-сюда. Здесь тоже очень много работы, на мою
жизнь хватит.
То есть. никаких особенно удобных для аккордеона направлений не
существует?
Нет, удобство достигается техникой игры, каких-то домашних опытов. В
любом случае я занимаюсь этим каждый день, это всё равно, что почистить
зубы или умыться. Всё это само собой, независимо ни от чего.
Нарабатывать, нарабатывать, нарабатывать…
Ну да, это уже привычка такая. Совмещаю приятное с полезным!
 Ольга
Ягова
фото: архив «Джаз.Ру»
|
|
|
Постсоветское пространство:
что было |
 Челябинские
музыканты объединились, чтобы отдать дань уважения ушедшим друзьям и
коллегам. Ностальгия вместо грусти, джазовая музыка вместо исторического
лектория. 21 января в Зале Челябинской филармонии прошел вечер
под названием «Памяти джазовых музыкантов».
Джаз в Челябинске и джаз в России - почти ровесники, но как быть, если
история не сохранила документальных свидетельств его существования?
Вспомнить имена местных пионеров и пропагандистов джазовой музыки,
показать слушателю их редкие архивные фотографии, а заодно еще раз
представить современных джазовых исполнителей - цели, которые поставили
для себя организаторы вечера - мэтр челябинской джазовой традиции Игорь
Бурко сотоварищи. Три часа в зале имени Прокофьева звучал живой джаз во
всех возможных интерпретациях. И хотя на настроение грусти музыканты
наложили табу, заразили меломанов общим джазовым драйвом, кульминацией
концерта стала легендарная тема Джона Льюиса «Django», которую по
традиции джазмены посвящают своим ушедшим коллегам. Для ее исполнения
специально свели воедино несколько крупных коллективов. Эта же пьеса
была эмоциональной вершиной другого знаменательного вечера, которой
состоялся год назад. Тогда, 14 января 2007 года, челябинцы поминали
Бориса Савина, барабанщика и певца ансамбля «Уральский диксиленд». И
хотя концерт памяти Бориса Петровича был сыгран, что называется, с
чувством незажитой раны и носил благотворительный характер (все сборы с
него пошли на создание памятника барабанщику), Игорю Бурко и компании
идея показалась весьма удачной. При столь малой известности имен ранних
джазменов для нынешней публики, зал в этом году был набит битком. А
ностальгия по «забытым» друзьям стала удобным «информационным поводом»,
чтобы встретиться с понимающим слушателем. Как заметил Бурко, даже через
«Уральский диксиленд» за сорок лет его существования прошло более ста
музыкантов. А посему вспомнить хотя бы малую толику тех, кто создавал
челябинский джаз - дело благородное.
 Каждый
участник этого концерта внес свою лепту в копилку воспоминаний. Малые
составы - «Уральский диксиленд», ансамбли L-band, «Маэстро аккордеон»,
Enotoff Band и «Шико», а также крупные музыкальные образования -
Камерный оркестр «Классика», Ансамбль духовной музыки Челябинского
Педагогического университета и биг-бэнд «Джаз-Академия» исполняли
репертуарные хиты, представив широчайшие стилевые возможности джазовой
сцены в нашем городе - от раритетных диксиленда и блюза до модерн-джаза.
Зачин всему положили классические, в том числе и для «Диксиленда», темы
«All Of Me» и «Hush-a-bye», исполненные без всякого трагического
надрыва. «А его и не должно быть, - парировали музыканты, - мы хотим
сделать праздник джаза». В таком ракурсе горячая диксилендовая
аранжировка битловской «Can’t By Me Love» пришлась весьма кстати. По
сценарию на смену зубрам должна была выйти на сцену воспитанница
муниципальной детско-юношеской студии «Бэби-джаз», которой руководит
известный в Челябинске флейтист и композитор Георгий Анохин. Однако
певицы на месте не оказалось, посему «отдуваться» за поколение Next
пришлось далеко не юному Анохину вместе с его ансамблем L-band. И L-band
ностальгировал, но только не по друзьям-товарищам, а по Парижу, в честь
которого флейтист назвал свою авторскую пьесу, написанную в привычном
для него медитативном ключе. Это даже и не джаз был вовсе, Анохину куда
ближе мягкий нью-эйдж. Его флейта совсем не форсировала звук, столь же
аккуратное, деликатное звукоизвлечение сохранили и другие члены квартета
(клавишник Константин Щеглов, бас-гитарист Стас Бернштейн и барабанщик
Игорь Борискин).
Вообще первое отделение этого концерта можно было смело назвать
«радостью для телеоператоров и фотографов». Быстрая смена артистов на
сцене и их стилевая полярность - считайте, что интересная «картинка»
обеспечена. Убаюкивающую анохинскую флейту сменил куда более энергичный
аккордеонный джаз. Две солистки-аккордеонистки Ольга Парфентьева и Елена
Омельницкая в союзе с джазменами братьями Владимиром и Виктором
Риккерами (контрабас и ударные, соответственно) и Игорем Борискиным
(перкуссионные) избрали академичную по духу тему итальянца Джанлуиджи
Тровези. Стоило ли приглашать на этот концерт группу Enotoff Band,
играющую дельта-блюз и блюграсс - еще вопрос. Но кажется, слушатель был
доволен. Да и так ли важна чистота стиля в данном случае? Если
поставлена задача привлечь внимание публики к местному музыкальному
движению, то и все средства хороши, тем паче что Enotoff Band аутентичны
не только в инструментарии (используют резонаторную гитару, мандолину,
скрипку, банджо и т.п.), но и в исполнительском мастерстве.
«Шико»
На финал первой части оставили латиноамериканские страсти, которые
подогрела «La Fiesta» Чика Кориа в исполнении группы «Шико».
Гитаристы-фронтмены Игорь Петров и Сергей Усольцев с подбором программы
тоже особо не мудрствовали, представив слушателю пьесы, которые с
успехом отыграли на московском фестивале Анатолия Кролла «Карнавал
джаза. Все звезды джаза в гости к нам!». Как показывает многолетняя
практика, латин-джаз, да еще в стремительном темпе и превосходном
исполнении, неизменно приносит «Шико» успех. Группе рукоплескали, ее
хотели видеть еще. Но логика концерта предполагала другое продолжение.
 Концерт
назвали «Вечером памяти», однако на ретроспективные и ностальгические
речи (длинные и короткие) организаторы наложили вето. Только музыка. А
те, кто хочет предаться воспоминаниям, пусть смотрит на фотографии
ушедших джазменов. Снимки периодически появлялись на экране, что висел
на заднике сцены. Было бы логичным со стороны участников концерта хотя
бы сыграть пьесы, аранжированные энтузиастами раннего челябинского джаза
(например, Михаилом Папашикой или Олегом Тергалинским), ну или, на худой
конец, показать архивные кино и видео-кадры. Но последних история почти
не сохранила, стало быть, такой режиссерский ход не был возможен в
принципе. Сохранились ли партитуры раритетных аранжировок, этим,
кажется, никто особо и не интересовался. Подозреваю, что во многом ноты
постигла та же печальная участь. Кстати, старт этим памятным
концертам-посвящениям среди джазменов дал другой бэндлидер Станислав
Бережнов. Шесть лет назад в течении двух дней он проводил музыкальный
марафон, посвященный памяти всех ушедших челябинских музыкантов. Именно
Станислав Васильевич и принес те уникальные для истории фото, которые
висели в фойе зала им. Прокофьева и демонстрировались с экрана. «Со
всеми, кто здесь есть, я работал», с какой-то грустной гордостью говорит
Бережнов. «Всех этих джазменов объединяло то, что они играли ту музыку,
за которую приходилось бороться и за которую нам доставалось. Они
прорубили джазовое окно в Челябинск».
 Второе
отделение концерта оказалось более джазовым, в первую очередь, из-за
большой массовой доли времени, отведенного свинговому оркестру
«Джаз-Академия». Сет открыла изящная прелюдия Камерного оркестра
Челябинского Государственного концертного объединения «Классика».
Разумеется, играли Гершвина, деликатно претендуя на симфоджаз. Без
претензий на оригинальное прочтение прозвучал и спиричуэл у Ансамбля
Духовной музыки. Впрочем, тема «My Soul’s Been Anchored In The Lord»,
аранжированная некогда Мозесом Хоганом, лишь подогрела торжественный
пафос действа перед пространным выступлением биг-бэнда «Джаз-Академия».
По замыслу муниципальный оркестр должен был стать хэдлайнером концерта.
Ему единственному досталась привилегия в хронометраже мероприятия. Для
программы памятного вечера худрук бэнда предпочел скомпилировать пьесы
Гордона Гудвина и Хоуги Кармайкла, которые они исполняют не первый год,
с новыми для репертуара оркестра, но классическими по сути
произведениями Дюка Эллингтона и Квинси Джонса. Получилось добротное
«отчетное» выступление бэнда с ровным балансом между инструментальными и
вокальными номерами (солировал штатный бэндовский женский вокальный
квартет «ДиВи-Шоу»).
 Кульминацией
и кодой с тем самым должным настроением грусти, которое непременно
сопутствует таким концертам, стала пьеса «Django». Для ее исполнения
дирижер Бережнов привлек могучий состав - оркестр «Классика», Ансамбль
духовной музыки, биг-бэнд «Джаз-Академия», а главную партию исполнил
солист биг-бэнда, замечательный гитарист Константин Корчагин. Вот
здесь-то и брызнули слёзы из глаз и у публики (между прочим, стойко
дождавшейся финала), и у самих музыкантов. Сложная драматургия этой
пьесы в сочетании с мощным полифоническим звучанием состава, да еще
подкрепленная видеорядом с фотографиями ушедших джазменов, сделали свое
дело. Исполнять «Django» в таких концертах, посвящая пьесу всем, кого
помнят, становится уже традицией, но как обойтись без этого сильного по
эмоциональному воздействию произведения? Есть ли адекватная замена?
Впрочем, и здесь не обошлось без подспудного «промо». Растроганная
публика долго аплодировала. Вероятно, бэндлидер и его коллеги расценили
это как сигнал к тому, чтобы выйти на бис. И «Django» неожиданно сыграли
снова. В полном объеме. По идее, от такой дозы трагического музыкального
пафоса, у зала должна была начаться истерика. Стоило ли исполнять пьесу
вторично? Кто-то из зала просил еще музыки, кому-то было с лихвой
довольно. Вспоминался прошлогодний концерт памяти Бориса Савина, когда
тоже звучала «Django». А эта утрата еще слишком свежа для местных
поклонников джаза и самих музыкантов.
Вспомнить друзей, самих себя показать. Отчего нет? История челябинского
джаза небогата на документальные материалы. Но жива память, и
челябинские джазмены готовы проводить такие ностальгические концерты
постоянно.
 Наталья
Риккер,
фото - Виктор Заболотнев
Челябинск
|
 В
январе столицу Юга России посетил с большим концертом один из самых
популярных биг-бэндов России - оркестр под управлением народного артиста
России Георгия Гараняна.
Концерт в одном из самых красивых залов Ростова-на-Дону - в зале
Музыкального театра - собрал довольно обеспеченную публику; в основном
это были люди среднего возраста, которые регулярно посещают большие
концерты с участием звезд джаза. Билеты были не из дешевых, но, тем не
менее, зал был полон: на рекламу концерта организаторы не поскупились. В
многочисленных афишах появление четырех известных имен для Ростова - уже
событие, тем более, что «затравка» была брошена всем слоям населения:
Георгий Гаранян и американская вокалистка Ники Маккой - для знатоков и
любителей джаза, а ведущая Яна Чурикова и Марк Тишман - для молодого
поколения, которые, не отрываясь от экранов, уже несколько лет подряд
следят за развитием событий в «Фабриках звезд».
Сам концерт был прежде всего стильным, иного слова не подберешь.
Присутствовал даже какой-то элемент гламура. Безупречная ведущая Яна
Чурикова (может быть, не совсем идеально подходящая для джазового
концерта, но очень яркая и придающая изящество происходящему на сцене) в
потрясающих красных колготках, которые просто заворожили всю мужскую
половину, дополненных идеальным платьем и высокими шпильками,
«выпархивала» на сцену каждый раз для объявления следующего номера, но
по делу толком ничего не сказала. Одна из исполненных композиций,
кстати, была посвящена Георгием Арамовичем Яне Чуриковой: тема «Shiny
Stokings» («Блестящие чулки») лишний раз обратила внимание на прекрасный
наряд обаятельной Яны). Сам Георгий Арамович, «король российского джаза»
(как выразилась ведущая), который также выступал в роли ведущего этим
вечером, дополнял сказанные Яной Чуриковой слова и оставил самые
приятные впечатления.
Программа называлась очень громко: «Каунт Бэйси, которому подражают
все». Почему именно «все» подражают Каунту Бэйси, было не совсем
понятно. Но зато практически весь концерт был выдержан в стиле великого
джазмена, одного из самых ярчайших пианистов, начавших свой творческий
путь еще во времена «эры свинга». «Луи Армстронг - это «сердце» джаза,
Дюк Эллингтон - это «душа» джаза, а Каунт Бэйси - это «ноги», на которых
стоит джаз» - заметил однажды знаменитый радиокомментатор Уиллис Коновер.
Поставленная задача была выполнена: блестящие аранжировки, очень сложные
технически, динамически и в принципе музыкально, были преподнесены
практически в идеальном исполнении. Оркестр, безусловно, находится на
очень высоком уровне. Почти все прозвучавшие темы - очень известны:
здесь были «Cry Me A River», «Georgia», «Fly Me To The Moon», «All Of Me»,
«Night And Day», «Sweet Georgia Brown», «How High The Moon» и еще
очень-очень много популярнейших стандартов.
Оркестр Георгия Гараняна включает очень сильных музыкантов. Практически
все они солировали, но хочется особо отметить одного участника бэнда,
который практически весь вечер стоял на авансцене. Это саксофонист родом
из Ростова-на-Дону, Станислав Должков. В настоящий момент он учится в
Москве и работает в оркестре Георгия Арамовича. Возможно, стоит сказать
даже о чрезмерно долгом пребывании в роли солиста. Стас может сыграть
«миллион» нот в секунду, и никто не сомневается в его потрясающих
технических возможностях, но все-таки его игры было много, учитывая, что
подобный стиль он почему-то использует для композиций самого разного
характера - и в лирических, и в свинговых, и в фанковых темах
импровизации были однотипны.
Ники Маккой, вокалистка из США, уже приезжавшая в Ростов в 2006 г. на
фестиваль «Jazz по-ростовски», еще тогда влюбила в себя публику. Многие
шли на концерт специально для того, чтобы послушать ее потрясающий вокал
еще раз. На сцене она излучает свет. Поспорить с этим не возможно:
подобные музыканты - «настоящие», занимающиеся музыкой ради музыки. Ники
говорит: «Когда люди подходят ко мне с улыбкой и говорят: «Ты тронула
мое сердце», значит, моя работа сделана и дар, который дал мне Господь,
использован с любовью». Долгое время она пела в религиозном хоре. Позже
стала заниматься джазом и поп-музыкой. Владение ее голосом поистине
виртуозно. Певица обладает яркой интонационностью и искусно
импровизирует. И, конечно, поразителен огромный диапазон ее голоса
(свыше трех октав) и сила голоса. На прошлом фестивале она спела
популярнейшую «I Will Always Love You» с огромным количеством модуляций,
исполняя припев все выше и выше. А когда после она сказала, что Уитни
Хьюстон - ее кумир, зал взорвался: песня была исполнена намного лучше
оригинала. Жаль, что в нынешний свой приезд певица не пела так много. Ею
были исполнены всего шесть тем, по три в каждом отделении. Причем, в
первом отделении популярные темы, слова которых знают даже
инструменталисты, Ники Маккой пела, подглядывая в текст, который вынесла
с собой на сцену. Это было не очень понятно. Внешний ее вид всех
поразил. Длинная туника и большой черный парик (в стиле афроамериканцев
70-80х годов) произвели неоднозначное впечатление. В целом, конечно же,
ее голос снова поразил, заставил прислушаться к себе, и тех, кто еще не
знал ее имени, запомнить Ники Маккой для того, чтобы прийти в
музыкальный магазин и приобрести ее диски. Будем с нетерпением ждать ее
следующего приезда.
Указанный в афишах «фабрикант» Марк Тишман не приехал. Кто знает, может
- это и к счастью, ведь стоять на одной сцене с такой вокалисткой, как
Ники Маккой, ему было бы действительно сложно. Как объяснила этот факт
Чурикова - «фабриканты» никуда не ездят по отдельности; в связи с чем
возник вопрос - а было ли вообще намечено его выступление, или это
просто какой-то рекламный ход? Вряд ли маэстро Гаранян и его
замечательный биг-бэнд много потеряли от этого. И публика совершенно не
расстроилась, тем более, что в завершении концерта оркестр отошел от
темы «подражания Каунту Бэйси» и исполнил попурри на песни из кинофильма
«Бриллиантовая рука». «Остров невезения», «Слова любви» и «Песню про
зайцев» пели все без исключения. А Георгий Арамович в этом попурри
единственный раз за весь концерт оставил свой дирижерский пост и немного
«побаловал» нас своей игрой на альт-саксофоне. Звучание этого попурри
было предварено представлением музыкантов: многие из них играли в
ансамбле «Мелодия», который и записывал музыку ко многим популярным
советским фильмам. В этом году ансамбль отмечает свое 35-летие. А сам
маэстро Георгий Гаранян будет праздновать в 2008 году 50-летие своей
творческой деятельности. Как он сам сказал, отмечать эту круглую дату
еще рановато, но ростовчане уже выразили музыканту свои поздравления в
виде долгих оваций и огромного количества цветов, которые строгая служба
охраны разрешала нести на сцену.
Марина Мухаметова,
Ростов-на-Дону |
|
|
|
|
Что намечается:
столичные анонсы
17 февраля,
ММДМ -
Международный фестиваль
«Триумф Джаза» |
 5 марта на сцене
Московского международного Дома музыки пройдёт
фестиваль «Весенний Jazz». На одной сцене выступят легендарные
исполнители - вокалист Эл Джарро (Al Jarreau), басист Стэнли Кларк (Stanley
Clarke) и клавишник Джордж Дюк (George Duke). Музыканты подготовили для
зрителя совместную программу на основе своих лучших произведений, что
станет прекрасным музыкальным подарком любителям живой музыки и женщинам
в канун праздника весны.
«Нам удалось собрать на одной сцене уникальное сообщество артистов
мирового уровня, - говорит организатор фестиваля Евгений Ладыженский. -
В преддверии праздника весны мы хотим подарить самой прекрасной половине
человечества самую романтичную музыку. Это будет незабываемым весенним
подарком».
 Эл Джарро (полное имя - Элуин Лопес Джарро,
Alwyn Lopez Jarreau) родился 12 апреля 1940 г. в
Милуоки, штат Висконсин. Его отец был викарием в церкви, и первый
вокальный опыт Эл приобрел в церковном хоре. Однако образование, которое
получил юный Джарро, никак не было связано с музыкой: закончив
университет, он получил степень магистра психологии и некоторое время
работал в социальной сфере, но затем решил перебраться в Лос-Анджелес и
посвятить себя шоу-бизнесу.
Первые десять лет карьеры Джарро прошли в маленьких клубах на Западном
побережье США (где ему аккомпанировала еще одна будущая звезда - пианист
Джордж Дюк, с которым Джарро с тех пор неоднократно работал в
грамзаписи), и единственный выпущенный в середине 60-х альбом остался
практически незамеченным. Только в 1975-м, когда певец подписал контракт
с лейблом Reprise, его дела пошли в гору. Его первый альбом на этом
лейбле, «We Got By», сразу поставил его в один ряд с такими мастерами
джазового импровизационного вокала, как Джонни Мэтис и Билли Экстайн, а
двойной концертный альбом 1977 г. «Look To The Rainbow» достиг весьма
высоких коммерческих показателей, войдя в число 50 самых продаваемых
альбомов в США за тот год. Зрелое вокальное мастерство Ала Джарро и его
нежелание замыкаться в узких жанровых рамках сделало его популярность
весьма широкой - во всяком случае, его альбомы 80-х гг. («L Is For Lover»,
1986, и особенно «Breaking Away», 1981) имели сумасшедшие продажи
(альбом 1981 г. входил в десятку самых подаваемых в США!).
Начиная с альбома 1992 г. «Heaven And Earth», Эл Джарро постепенно
отошел от поп-музыки и переориентировался на аудиторию так называемого
«мягкого джаза» (smooth jazz). Эта переориентация была подтверждена
переходом на один из ведущих лейблов этого стиля, GRP, на котором в 2000
г. у Джарро вышел интересный альбом «Tomorrow Today». В 2001-м Эл
получил звезду на легендарной Аллее Славы в Голливуде, которая
увековечила его музыкальные достижения как одного из лучших джазовых
певцов своего поколения.
В 2004-м Джарро выпустил на джазовом лейбле Verve альбом «Accentuate the
Positive», который был призван показать его возможности в джазовом
мэйнстриме, в сопровождении акустического джазового ансамбля. Альбом
2006 г. «Givin’ It Up» вышел на Concord и представил Джарро в дуэте с
другим популярнейшим смут-джазовым вокалистом - Джорджем Бенсоном.
 Пианист Джордж Дюк начал свою карьеру в 1960-е; среди самых известных
его работ того периода - работа в ансамбле скрипача Жан-Люка Понти, в
оркестре Дона Эллиса, а также работа в области и джаз-рока, и джазового
мэйнстрима: Дюк играл с Фрэнком Заппой, Кэннонболлом Эддерли, Сонни
Роллинзом, Билли Кобэмом, The Clarke/Duke Project и т.д. Наряду с
концертной, занимается также и продюсерской деятельностью в области
ритм-н-блюза и поп-музыки. Студийный стиль Дюка, как правило -
аккуратный smooth jazz, но на концертах он чаще всего играет драйвовый
фанк-фьюжн.
 Контрабасист и бас-гитарист Стэнли Кларк родился в Филадельфии в 1951 г.
Закончив в родном городе музыкальную академию, он в 20-летнем возрасте
переехал в Нью-Йорк, где работал с самым широким спектром музыкантов -
от авангардиста Фарао Сандерса до столпов «мэйнстрима» Арта Блэйки и
Хораса Силвера. Впрочем, первую настоящую славу Кларку принесло участие
в джаз-рок-группе клавишника Чика Кориа Return To Forever. В 70-е Кларк
начал выпускать и сольные альбомы, самым значительным из которых принято
считать «School Days» (1976). Он - один из немногих басистов в джаз-роке
и фьюжн, кто способен с одинаковым успехом играть и на контрабасе, и на
бас-гитаре и одинаково широко пользуется обоими басовыми инструментами,
а кроме того - и не слишком часто встречающейся бас-гитарой пикколо
(небольшой инструмент, настроенный на октаву выше обычной бас-гитары).
Кларк много работает и соло, и в сотрудничестве со звёздами рок-музыки,
джаза и джаз-рока.
 Еврейский культурный центр на Никитской,
24 февраля (начало: 19.00) -
Джаз-гостиная Михаила Митропольского «Импровизация нового века»
представляет «Питер-трио» (Николай Рубанов - бас-кларнет, бас-саксофон;
Алексей Лапин - рояль; Владимир Шостак - контрабас).
Редкое для нашей творческой сцены трио, исповедующее принципы
спонтанного сочинения-музицирования и при этом возникшее не из джазовой
среды. Это прекрасное свидетельство насущной необходимости объединения
возможностей разных музыкальных источников для выхода из тупика
постмодернизма. Только пианист Алексей Лапин ощущает свое джазовое
происхождение и называет своими кумирами Эрика Долфи, Телониуса Монка,
Джона Колтрейна. Но свобода происхождения из «губернского города N» и
отсутствие стремления к отождествлению себя с джазовым истеблишментом
привела Алексея в альтернативную питерскую музыкальную среду.
Мультисаксофонист (от альта до бас-саксофона) Николай Рубанов - давний
обитатель этой среды с международным именем. Этому способствовало его
участие в группах «АукцЫон», «Союз Коммерческого Авангарда», «Ру2»,
«Сакс-Мафия». Наконец, Владимир Шостак - концертмейстер группы
контрабасов оркестра Мариинского театра, имя которого регулярно
появляется в контексте этно-рок-авангардной среды.
Вообще говоря, данное трио берет свое начало из дуэта Алексей Лапин -
Владимир Шостак, возникшего неожиданно и спонтанно в 2004 г. и
положившего начало традиции образования различных трио на базе этого
дуэта. Время от времени дуэт дополняли музыканты различных жанров и
направлений. Это Хелен Блэдсоу (Helen Bledsoe) - американская
флейтистка, исполняющая современную камерную и импровизационную музыку и
использующая систему четвертьтонового звукоизвлечения, британский
барабанщик Маркус Годвин (Marcus Godwyn), музыкант группы «Аукцион»
Николай Рубанов, за которым в этом трио прочно закрепилась репутация
именно бас-кларнетиста, солист Мариинского театра - трубач Виталий
Зайцев. Но, несмотря на то, что коллективу иногда удается осуществлять
некоторые проекты и «полным» составом с участием всех упомянутых выше
музыкантов, все же более устойчивыми пока неизменно продолжают
оставаться именно трио.
Музыка коллектива в зависимости от проекта балансирует между спонтанной
импровизацией и композиционно-импровизационными идеями, «из которых, как
из кубиков, собирают свою общую картину несколько совершенно разных по
стилистике, набору влияний и стилю музыкального мышления
инструменталистов» (Кирилл Мошков, главный редактор журнала «Джаз.Ру»).
«Это тот акустический новый джаз, линия которого оборвалась уже в нашем
XXI-м веке со смертью легендарной партнерши Мэла Уолдрона - Джейни Ли (Jeanne
Lee). Но, как и все музыканты пост-рокового поколения», коллектив
«тяготеет, скорее, к британской школе свободного джаза, хорошо известной
нам по неоднократным гастролям Джулии Дрисколл-Типпет - Кейта Типпета и
Майка Вестбрука» (Дмитрий Ухов, радио «Культура»).
Еврейский культурный центр: ул. Б. Никитская, 47/3 (м.
«Краснопресненская», «Баррикадная»)
(495)787-4560, (495)787-4567 (бронируйте билеты заранее)
 26 февраля в санкт-петербургской «Галерее Экспериментального Звука»
состоится презентация первого альбома трио современной импровизационной
музыки Dots & Lines. Трио - плод сотрудничества новосибирского пианиста
Романа Столяра и петербургских импровизаторов – саксофониста Ильи
Белорукова и гитариста Андрея Поповского. Каждый из них обладает ярким
индивидуальным стилем игры и идёт в музыке собственным путём; их
творческий опыт различен и по-своему уникален. Так, музыкальные
пристрастия Андрея Поповского эволюционировали от джазового мэйнстрима к
модальному и свободному джазу. Роман Столяр прошёл и джазовую, и
академическую композиторскую школы, и эти два разных подхода
сосуществуют в его энергичных импровизациях. А самый молодой, но
предельно активный участник трио Илья Белоруков пришёл к спонтанной игре
из рок-среды, и в его соло органично сочетаются элементы шумовой музыки,
академического авангарда и радикального «фри».
Союз трёх музыкантов базируется на тяготении к современному музыкальному
языку, к спонтанному импровизированию, в котором свобода самовыражения
сочетается с вниманием к форме и предельному контакту внутри коллектива.
В музыке Dots & Lines сплавлены воедино различные актуальные музыкальные
течения, она сочетает в себе экспрессию и интеллигентность. Первое
публичное выступление трио состоялось на праздновании 10-летия «Джаз.Ру»
в Москве в декабре прошлого года. Слушателям же, пришедшим на нынешний
концерт Dots & Lines, представится возможность приобрести дебютный диск
этого коллектива, выпущенный на новосибирском джазовом лейбле Ermatell
Records.
Ссылки:
http://www.myspace.com/belorukov - Илья Белоруков
http://www.myspace.com/dotslinesmusic - Dots & Lines
http://rstmusic.narod.ru - Роман
Столяр
Адрес клуба: Пушкинская, 10 (вход с Лиговского проспекта, 53, флигель D, 3-й этаж)
Телефон: (812) 764-5258 |
|
|
|
Мнение |
По следам творчества Оскара Питерсона: взгляд простого обывателя
Переосмысление
 Как
мы знаем, совсем недавно ушел из жизни величайший джазовый пианист,
композитор и учитель Оскар Питерсон (Oscar Peterson). Мне думается, что
ушел из жизни последний гигант из гигантов XX века. Он был одним из тех,
кто создал основу джаза как такового, создал базис для музыкантов,
которые вне зависимости от своих убеждений и интересов обязательным
образом будут использовать в своем творчестве оставленные мастером
знания. Знания, оставленные Оскаром Питерсоном, представляют огромное
значение для культурного наследия планетарного масштаба. Это десятки,
нет, сотни аудио/видео записей маэстро. Это множество книг и учебников,
включая литературу для самых маленьких, начинающих музыкантов. Благодаря
этому богатому наследию Питерсона мы имеем возможность приобретения
знаний, можем понять ощущения, чувства, которые испытывал музыкант.
Я влюблен в творчество Оскара Питерсона. Для меня его записи имеют
огромное значение. Хотя я не музыкант, но испытываю сильнейшие
переживания от прослушивания этой божественной музыки. И чтобы
почувствовать и понять величественность музыки Питерсона, нужно
взглянуть на мастера через призму его произведений, переосмыслить
творчество с точки зрения его становления и развития как музыканта. Как
это сделать? Конечно, только прослушав его записи! Пройти, точнее,
попытаться пройти то, через что прошел великий пианист 20-го века.
Сделать это, можно сказать, невозможно и это понятно: каждый человек
индивидуум, нельзя до конца его постичь, но тем не менее....
Существует множество записей, которые производители музыкальной
продукции называют: «The best of...». Это скорее сугубо индивидуальный
подход тех же производителей, кто задействован в «машине» менеджмента
компаний. Но, тем не менее, прослушав записи, можно получить
определенные впечатления.
Рассмотрим альбом Оскара Питерсона, выпущенный в 2002 году Verve Music
Group - его название «A Jazz Odyssey». Эта подборка музыкальных
произведений охватывает период творчества мастера 50-70-х годов прошлого
столетия. Понятно, что на одном диске совершенно невозможно представить
себе всего Питерсона, прочувствовать, настолько он разнообразен,
настолько невероятен. К тому же нужно учитывать, что имея такой талант,
а также друзей в продюсерских кругах (главном образом в лице Нормана
Гранца), Питерсон чрезвычайно много записывался. Можно с уверенностью
сказать, что в XX веке среди великих джазменов он был одним из самых
любимых и востребованных музыкантов.
Итак, обсудим некоторые позиции альбома.
Под №1 значится вещь, сыгранная Оскаром Питерсоном в паре с
контрабасистом Мэйджером Холли (Major Holley) в 1950 году, когда Оскару
не было еще и 25. Ее название “Get Happy”. Это классический джазовый
стандарт Харольда Алена (Harold Arlen). Обратите внимание, с какой
скоростью молодой, талантливый канадский пианист, приехавший в Нью-Йорк
покорять Америку, исполняет это произведение. Сколько энергии, сколько
стремлений души наполняют его! Думаю, что создатели данного
компиляционного альбома не случайно выбрали это выступление. Оно
показывает, что, несмотря на свою молодость, он уже обладает потрясающей
техникой и свободой обращения с роялем. Конечно, это еще не тот
Питерсон, которого мы знаем в 60-70-е годы. Но задор и молодецкая сила
налицо!
№4. В составе Питерсон, контрабасист Рэй Браун (Ray Brown) и гитарист
Xерб Эллис (Herb Ellis), они исполняют произведение Бенни Картера (Benny
Carter) - “When Lights Are Low”. Это трек из альбома “The Oscar Peterson
Trio at the Concertgebouw”, записанного в 1957. Это первое устоявшееся
трио Питерсона, которое принесло ему популярность и общественное
признание. Этот альбом можно считать одним из лучших, записанных этим
составом.
№5. Здесь мы можем услышать виртуозную игру Питерсона уже в другом
составе. Место гитариста Эллиса занял ударник Эд Тигпен (Edmund Tigpen).
Это трио, как считают многие критики, наиболее удачное из всех составов,
в которых Питерсону приходилось играть. Недаром этот состав неоднократно
получал премии “Грэмми”. “The Honeydripper ” из альбома “Night Train”,
одного из самых популярных у пианиста, была записана в 1962 году.
Послушайте сами и вы убедитесь в зрелости, маститости Питерсона, а
ритм-секция работает просто безупречно, с присущим его команде
напористым и волнующим свингом.
Под №8 находим композицию “My Romance”, которая является составляющей
альбома “Exclusively For My Friends”. Запись сделана в Германии, в конце
октября 1968 года. Примечательно, что происходило это событие дома у
некоего бизнесмена Ханса Брюннера (Hans-Georg Brunner-Schwer). Наверно,
поэтому, в силу определенных технических обстоятельств, само качество
записи нельзя назвать идеальным из-за странной “развесовки” басов. Но
качество самого записанного звука в данном случае не имеет значения.
Самое главное, что хотели донести до нас составители альбома - это
исполнение. Стиль исполнения, манера игры в данной композиции раскрывает
перед слушателями настоящего, классического Питерсона. Игра маэстро от
первой до последней ноты настолько гармонична, что можно с уверенностью
сказать: Оскар Питерсон на вершине своего мастерства, он может свободно
играть любые произведения, приводя их к канонам своего внутреннего мира.
Хочется отметить композицию под №17 “I Can’t Give You Anything But Love”
из студийной записи, сделанной во Франции в 1959 году для альбома “Sonny
Stitt Sits In With Oscar Peterson Trio”.
Исполнителями были: “классическое” трио Питерсона с Р. Брауном и
Э.Тигпеном и знаменитый альт-саксофонист Сонни Ститт. Здесь слушателю
предоставлена возможность прочувствовать, насколько слаженно была
сыграна эта вещь. Солисты поровну поделили временной интервал композиции
и прониклись друг другу душой. Саксофон и рояль стилистически так между
собой переливались, что порой казалось, что музыканты, отыграв соло на
одном инструменте, пересаживались на место другого.
№10 («I Only Have Eyes For You») и №15 («Goody, Goody») можно объединить
с точки зрения рассмотрения творчества Питерсона в сотрудничестве с
величайшими певицами 20-го века, а именно с Билли Холидей (Billy Holiday)
и Эллой Фицджералд (Ella Fitzgerald). Известно, что Холидей любила
выступать с Питерсоном, а с Эллой Фицджералд вообще связана огромная
часть карьеры Оскара: ежегодные, если не ежемесячные, выступления в
совместных проектах. Для вокалиста очень важна степень гармонии,
понимания между аккомпанементом и ритм-секцией. А насколько красивое
звучания рояля придает другую окраску пению самого вокалиста!
Прослушайте - и вы поймёте, о чем я говорю.
Есть в альбоме записи с талантливейшими музыкантами XX века: это трубач
Кларк Терри (Clark Terry), саксофонист Коулман Хоукинс (Coleman Hawkins),
трубач Диззи Гиллеспи (Dizzy Gillespie) и многие другие. Можно
предположить, почему создатели диска внесли данные записи в состав
альбома (ведь сольного выступления Оскара там нет): они хотели показать
слушателю, насколько Питерсон был серьезно воспринят джазовым миром
Америки, показать, насколько ему самому было интересно работать с
ведущими джазменами. Эти совместные джемы, концерты, фестивали помогли
Питерсону занять свою нишу в мировой джазовой музыке, а также обозначить
свой, понятный для каждого слушателя, стиль, манеру игры, которую
невозможно перепутать, а самое главное, сравнить с кем-либо другим.
Питерсон - это история, и как всякая история - предполагает
переосмысление. Поэтому слушайте и переслушивайте записи Оскара
Питерсона и получайте наслаждение от общения с этой великолепной
музыкой!
 Владимир
Ушаков
(a.k.a. PETERSON)
|
|
|
А в это время
за бугром... |
|
Концерт-Отражение: Ирина Беркович и Слава Ганелин вместе на сцене
29 декабря в Латруне, что между Иерусалимом и Тель-Авивом, было
необычное музыкальное действо. Его участники - большие музыканты,
творящие на разных полюсах искусства. Ирина Беркович - выпускница
Московской консерватории по классу легендарного Якова Флиера, лауреат
международного конкурса имени Баха, профессор специального фортепьяно
Иерусалимской академии музыки. Ирина - одна из ведущих современных
исполнительниц музыки Баха, в ее огромном репертуаре также Бетховен,
Шуман, Лист, Брамс, Прокофьев, Шенберг…. Ее творческое кредо -
колоссальная работа над авторским текстом, шлифовка всех деталей
сочинения, длительная и кропотливая подготовка каждой программы, и это
несмотря на то, что некоторые сочинения она играет с консерваторской
скамьи.
Слава Ганелин - один из ведущих современных музыкантов, исповедующих
свободное и спонтанное музицирование. Его послужной список читателям "Джаз.Ру"
представлять не требуется - достаточно напомнить "Трио Ганелина" и уже
20 лет фантастически плодотоворной работы в Израиле, некоторые
результаты которой были представлены в России и Литве. Как бы Слава ни
готовился к концерту, он никогда не знает, что будет играть и откуда
черпать идеи. Его партнерами могут быть джазовый контрабасист и
фольклорная певица, академический скрипач и художник, балерина и
исполнитель на терменвоксе. При этом они тоже импровизируют, и эти
совместные музицирования всегда напоминают обмен идеями, которые
партнеры предлагают друг другу и развивают, с которыми вступают в
конфликт и примиряются.
Ирина Беркович - опытный камерный музыкант, однако ни разу прежде ее
партнером не был музыкант, не знающий заранее, что будет играть. Слава
Ганелин - энтузиаст эксперимента, страстный поборник всего нового, но ни
разу в жизни прежде он не выходил на сцену с музыкантом, у которого
заранее подготовлена и отделана программа. И вот это произошло.
В первом отделении музыканты были независимы друг от друга. Ирина
Беркович исполнила до мажорные вариации Моцарта, три прелюдии Дебюсси и
прелюдию и фугу из «ХТК» («Хорошо темперированного клавира») Баха. После
исполнения каждого из сочинений Слава Ганелин на том же рояле выражал
свое отношение к этой музыке. Музыканты перед концертом определили, что
они должны делать. "Это не будут фантазии на услышанные темы, но будет
отражение этой музыке во мне" - туманно сказал Ганелин, добавив, как
всегда - "…хотя что это будет, я и сам не знаю." Ира Беркович определила
их с Ганелиным род занятий в первом отделении более конкретно: "Я
представляю музыкальные стили и эпохи, а Слава - свои взгляды на эти
стили и эпохи. Я думаю, это будет диалог музыкантов XXI века с великими
композиторами прошлого." Исполнение Беркович знакомой музыки вызвало,
как всегда, восхищение. После каждой из пьес выходил Ганелин, реагируя
по-разному - после вариаций Моцарта была фантазия на услышанную тему (в
противовес предварительному заявлению), реакцией на прелюдии Дебюсси
было создание импрессионистской атмосферы в зале при помощи клавиш и
струн фортепьяно, причем тематического материала Дебюсси почти не было
слышно, а отражением Баха у Ганелина оказалась сложная полифоническая
фантазия, завершившаяся звоном колокольчика.
Второе отделение Беркович и Ганелин провели вместе. Ирина играла на
акустическом рояле ранние прелюдии Скрябина и вариации Веберна, а Слава,
используя электронные музыкальные средства, должен был создавать вокруг
точно написанной музыки некую импровизационную ауру. Опять слово
исполнителям перед концертом. Ирина Беркович: "Это будет наложение
составляющих диалога из первого отделения друг на друга. Полифония для
меня - всегда самый высокий стиль, поэтому я допускаю одновременное
существование в двух пластах одного музыкального мира и наложение
независимых музыкальных творений, находящихся в гармонии друг с другом."
Ганелин не определил второе отделение, но позволю себе предположить, что
сначала его музыка не будет в гармонии с высокой классикой, и этот
конфликт разрастется до кульминации и, возможно, не одной, но потом
гармония все равно будет достигнута. На деле классическая пианистка, не
замеченная, подобно Алексею Любимову, в экспериментах, услышав
создаваемую Ганелиным ауру, буквально на мгновение оробела, но взяла
себя в руки и заиграла Скрябина. Дальше на наших глазах действительно
началось совершаться совершенно новое музыкальное действо. Классическая
музыка и свободная переплелись в фантастический клубок, где лидировала,
конечно, классика, ограничивая свободного музыканта строгими рамками, но
внутри этих рамок была невероятная свобода, исходившая от Славы Ганелина
и преломлявшаяся в игре Иры Беркович, которая в какой-то момент стала
позволять (видимо, впервые в жизни) некоторые вольности в музыке
Скрябина, не изменяя ее (Боже упаси!), но допуская некоторые ритмические
отклонения от авторского текста. Публика в зале, большей частью,
собралась на концерт классической музыки, но в первую очередь именно эта
часть была в восторге от случившегося. Поклонники Ганелина поначалу
снобствовали по поводу того, что Слава позволил себе идти за написанным
текстом, но к концу вариаций Веберна и они достигли сами с собой и с
Ганелиным консенсуса. Бис всех примирил окончательно - Ира и Слава
сыграли вместе те самые до мажорные вариации Моцарта, которые в первом
отделении играли врозь. И играли уже так, будто это они делают всю жизнь
- большим музыкантам не надо много времени для того, чтобы почувствовать
друг друга.
 Владимир
Мак
Иерусалим
|
|
|
|
Радио |
|
"Бесконечное приближение" (Радио
России)
Программа (автор и ведущий
Михаил
Митропольский) выходит на "Радио России" с 2000 г. в ночь с пятницы на
субботу в 0.10.
9 февраля - «Бесконечное приближение-386». Программа из цикла
"Импровизация" - в 40-м выпуске Мирослав Витоуш, Чик Кориа, Александр
Скрябин, Билл Эванс, «Кронос квартет», «Орегон».
16 февраля - «Бесконечное приближение-387». Программа из цикла
"Голос" - в 14-м выпуске Джимми Скотт и Кэвин Махогани.
Подкаст
"Слушать здесь":
05.02.08 - #213: главный редактор "Джаз.Ру" Кирилл Мошков
комментирует пьесы "Billie’s Blues" и "Do Nothing Till You Hear Form Me"
в исполнении певицы Билли Холидей из пятидисковой коллекции "Rare Live
Recordings 1934-1959" (ESP-Disk, 2007)
02.02.08 - #212: трубач и музыкальный журналист Андрей Соловьев
(группа "Вежливый отказ" и другие проекты) комментирует пьесу "sNow" с
совместного альбома гитариста Дерека Бэйли, басиста Джамаладина Такумы и
барабанщика Кэлвина Уэстона "Mirakle" (Tzadik, 2000).
29.01.08 - #211: главный редактор "Джаз.Ру" Кирилл Мошков
комментирует первую историческую запись "Rhapsody In Blue" композитора
Джорджа Гершвина в исполнении автора и оркестра Пола Уайтмана (1924).
26.01.08 - #210: трубач и музыкальный журналист Андрей Соловьев
(группа "Вежливый отказ" и другие проекты) рассказывает об изобретателе
саксофона Адольфе Саксе; музыкальная иллюстрация - пьеса "War of the
Worlds" с альбома "Saxemble" одноименного ансамбля (Qwest/Warner Bros,
1995).
23.01.08 - #209: джазовый обозреватель Михаил Митропольский в
любезно предоставленном для подкаста архивном выпуске программы Радио
России "Музыкальный повод" (2006) говорит о польском джазовом скрипаче
Збигневе Зайферте.
|
|
|
