| Слово к
читателям |
Трехсотый номер "Полного джаза".
Наверное, трудно было придумать более неудачные время и место для
запуска еженедельного (!) джазового журнала в Сети, чем осень 1998 г. в
России.
Триста вышедших номеров, многотысячная аудитория и обилие интересных
планов на самое ближайшее будущее успешно опровергают сказки о том, что
путем "медиапланирования", "маркетинга" и прочего антинаучного
волхвования можно что-то спрогнозировать.
А ведь то ли еще будет, друзья! То ли еще будет!
 Редактор
|
|
|
|
Как
это было
в Москве |
Развеселые похороны и голые танцы: Shibusashirazu в Москве
 Фестиваль Сергея Курехина (ФСК), организуемый Культурным центром "Дом",
открылся 20 апреля концертом японского театрально-музыкального
коллектива Shibusashirazu в клубе "Точка". Труппа, состоящая более чем
из двадцати музыкантов, танцоров и актеров, открыла московским
выступлением большое европейское турне. Гремучая смесь безудержного
веселья, истошной экспрессии и сумасшедшего танца запомнится зрителям
надолго.
 Ансамбль Shibusashirazu (название переводится примерно как "Никогда не
оставайся хладнокровным") был сформирован в 1989 году для сопровождения
выступлений авангардистского театра. Было выпущено восемь альбомов,
артисты приняли участие в ряде фестивалей. На московской сцене появился
следующий состав: пять саксофонистов, два трубача, тубист, клавишница,
два гитариста, два барабанщика, перкуссионистка, шесть танцоров, актер и
дирижер. Действо сопровождалось видеорядом и элементами кукольного
театра. Возникающие ассоциации с курехинской "Поп-механикой" в чем-то
справедливы - сами музыканты говорят, что их коллектив возник как ответ
на эксперименты Курехина с вовлечением танцоров, театральных трупп и
исполнителей разных направлений в процесс музыкального импровизирования.
Но японский ансамбль в первую очередь демонстрирует не результаты
опытов, а просто необыкновенно веселое, неистовое, небывало
экспрессивное и бесшабашное начало.
 Через весь зал прошествовали духовики, чинно игравшие смесь похоронного
марша с пьяной песней, - так начался концерт. Одновременно на сцене
появились практически голые персонажи (мужчины были еще и бриты налысо)
- исполнители японского танца буто. Разгул духовых неожиданно сменился
тяжелым гитарным соло, после которого оркестр грянул весь целиком.
Музыканты то слаженно выдавали разухабистые мелодии, то разражались
какофоническими импровизациями. Аниматор Синити Ватабэ в синем балахоне
на голое тело, красных трусах-фундоси и полосатой повязке на голове
носился по сцене, изображая рыбную ловлю, голосил, отплясывал, корчился
в судорогах, строил глазки и заставлял публику повторять японские фразы.
А посреди всего этого безобразия, покуривая и то снимая, то надевая
пиджак, раздавал необходимые указания дирижер Дайскэ Фува.
 Собственно говоря, подробно описывать представление столь же трудно,
сколь и бессмысленно - пожалуй, такое стоило бы увидеть каждому. Важно
отметить, что, хотя музыканты чаще пускались во все тяжкие и
перекрикивали друг друга, в общую линию иногда вторгались более изящные
элементы. Вдруг гром стихал, и рождалось мягкое соло на органе либо
губной гармонике, или под нежные гитарные переборы звучал голос
перкуссионистки, ей вторил сладкоголосый хор, а в это время по залу
проплывал огромный диковинный дракон. Ключевое место во всей этой
картине занимали четыре исполнителя буто - эти люди, как будто явившиеся
с других планет, часто двигались каждый в своем собственном, причудливом
и медленном ритме, подергиваясь и обводя окружающих будто невидящим
взором. Но было очевидно, что они являются частью того же организма, что
и музыканты, и готовы в нужный момент пуститься в буйный пляс. Еще две
танцовщицы, разодетые в вызывающе блестящие одежды, дефилировали по
авансцене, как на показе мод, а ближе к финалу забросали публику
фальшивыми сторублевыми купюрами с расписанием грядущего турне ансамбля.
Shibusashirazu после Москвы отправились в Санкт-Петербург, Архангельск и
Самару. А вот в Нижний Новгород, как рассказывают организаторы, ансамбль
не пустили: сказали, порнография.
 Григорий Дурново,
первая публикация - "Газета"
фото: Кирилл Мошков
|
|
 17 апреля в культурном центре "Дом" прошел концерт, пожалуй, самого
известного в мире российского валторниста,
Аркадия Шилклопера. В
последнее время Аркадий постоянно проживает в городе Вупперталь в
Германии и появляется на отечественной сцене не так часто, как это
происходило раньше и как того хотелось бы российской публике. Тем
понятнее боевой настрой слушателей, почтивших своим присутствием
концерт.
Аркадий Шилклопер вышел на сцену и без лишних слов заиграл композицию со
своего сольного альбома 2000 г. "Пилатус". Воспользовавшись секвенсором,
он "подвесил" низкий звук и, пользуясь им как основным тоном (этот прием
широко применяется, например, в индийской музыке), заиграл тему, чередуя
медленный плавный напев с залихватской балканской ритмикой. И тут
внезапно приключилась неприятность - видимо, в связи с высокой
влажностью, а может быть и по какой-то другой причине, аппаратура,
которой пользовался Аркадий, вдруг начала настойчиво трещать. Похоже,
проблема была в электрических наводках, а такие вещи быстро не устранишь
- во всяком случае, в полевых условиях. Для концерта исполнителя на
негармоническом инструменте, пользующегося секвенсорами для создания
"живой" фактуры аккомпанемента, подобная техническая неприятность
чревата либо полной отменой концерта, либо сильным его оскудением
вследствие необходимости срочно менять программу или низкого качества
исполнения - исполнитель тоже живой человек, и звуковые помехи
препятствуют адекватному творческому процессу, пожалуй, даже в большей
степени, чем мешают публике слушать. Но Аркадий нашел в себе силы с
честью противостоять неурядицам. Да, частично программу пришлось
изменить, тем не менее он не отказался от секвенсоров полностью и
постарался сыграть так, чтобы публика просто не обращала внимания на
посторонние шумы. И нельзя сказать, что попытки эти были безуспешны.
 Впрочем, современная творческая мысль в целом и Аркадия Шилклопера в
частности позволила ему сыграть ряд сольных произведений и без
дополнительных технических ухищрений, как бы "вплетая" аккомпанемент в
общее течение мелодии. Таковы были композиции “Song For Everyone”
Лакшминараяны Шанкара и неизменно кочующая из выступления в выступление
"Альпийская тропа", обязанная своим названием инструменту, на котором
она исполняется - альпийскому рогу. Тема “Song For Everyone” построена
на коротких попевках, поэтому у исполнителя-аранжировщика было много
времени в паузах между ними, чтобы выстроить отрывочный, но
последовательный аккомпанемент. Кроме того, по ходу пьесы в нее была
включена имитация соло перкуссии, исполненная на флюгельгорне и
вызвавшая, благодаря остроумию этой находки, довольный смех в зале. В
"Альпийской тропе" Аркадий тоже не упустил возможности произвести
впечатление на слушателей - на этот раз цепным дыханием, с помощью
которого тянул ноту так долго, что публика начала недоуменно
переглядываться, не зная, как ей реагировать. Тогда Аркадий дал понять,
что вообще-то это делается для того, чтобы слушатели похлопали. Публика
тут же упрекнула себя в несообразительности и принялась громко
исправлять свою ошибку, однако звук рога был прерван только после того,
как с галерки раздался резюмирующий возглас: "Крутой!".
Композиция "Девственный океан" с альбома 1997 г. “Hornology” носила куда
более серьезный характер: вой ветра, гул волн, медленные печальные
восходящие арпеджио с электронной задержкой звука, громовые отзвуки,
тревожные интервалы, краткий светлый мажорный луч - и вновь мрачное
величие стихии.
Не менее убедительно прозвучали пьесы "Кобра" и “Talking To Myself”.
А вот с исполнением новой композиции "Вуппер" (по названию реки, на
которой стоит город Вупперталь, где ныне проживает Аркадий) вновь
возникли все те же технические проблемы. В оригинале эта вещь была записана
с большим оркестром, и по всей видимости, у Аркадия были заготовлены
секвенции для аккомпанемента, которыми он воспользоваться в должной мере
не смог и поэтому честно признал, что сыграл, конечно, полуфабрикат Вупперталя. Тем не менее публика слушала композицию с большим интересом.
В самом начале концерта Аркадий Шилклопер пообещал, что публику ждет
сюрприз. И в урочный час на сцене показался его тезка и коллега по
работе в ансамбле "Три О" в 1980е - тубист Аркадий Кириченко,
изменивший, в связи с проживанием в США, фамилию на Фримен (поскольку,
по его словам, в Америке "ни одна собака" не могла произнести в его
настоящей фамилии подряд звуков больше, чем первые четыре). И началось
безудержное веселье. Ценные замечания с галерки практически не смолкали,
однако вокально-инструментальным упражнениям двух "О" это не мешало,
хотя от скромненького некрупного Фримена, появившегося на сцене в
трогательной панамке, никто бы не мог, руководствуясь одними только
визуальными впечатлениями, ожидать столь мощной звуковой волны. Обладая
незаурядными врожденными вокальными данными и при этом не принимая их
всерьез настолько, чтобы целенаправленно заниматься пением, он пошел
другим путем - употребил свой талант в блюзе, и обнаружил при этом
недюжинное блюзовое чувство. Впрочем, важную роль в творчестве Фримена
имеет и сценическое движение: все, что поется (а поет он на
несуществующем языке), он очень выразительно показывает руками. Хотя
трудно сказать, кем себя в большей степени считает Фримен - вокалистом
или тубистом. Видимо, эти сомнения терзают не только слушателей, но и
самого музыканта, что в свое время вылилось в запись сольного альбома "Tubist
Or Not Tubist". Вот и в этот раз в одной из композиций он сыграл на тубе
в дуэте с Шилклопером.
 На десерт… то есть, на бис, ко всеобщему удовольствию слушателей, была
исполнена ставшая уже легендарной композиция из репертуара "Три О",
носящая название "Архаический блюз". Шилклопер играл "условно блюзовый"
аккомпанемент на валторне, но не валторна была главным действующим
лицом. А Кириченко-Фримен пел... ну да, блюз, конечно. Его "лирический
блюзмен" на несуществующем языке, фонетически имитирующем английский, но
семантически таковым не являющийся ни в коем случае, излагал, а
богатейшей мимикой и жестикуляцией - иллюстрировал нелегкую историю
своей непутевой жизни, в которой явно были все настоящие блюзовые
элементы - тяжелая работа, крепкая выпивка, неверная женщина (да
пожалуй, что далеко не одна), мрачная тюряга, перекресток трех дорог
ночью в полнолуние и долгожданное прозрение в финале - обращение к
вековой мудрости условной блюзовой Мамы и... условного блюзового Папы,
конечно.
Программа, которую Шилклопер и Фримен представили на концерте,
изначально готовилась для фестиваля "Глубокая глотка", на который Фримен
по стечению обстоятельств не попал, предоставив Шилклоперу отдуваться за
двоих, в полном смысле этого слова. И вот теперь выдался случай,
наконец, взять реванш. И он был взят.
 Анна
Филипьева (текст),
Кирилл Мошков (текст, фото)
|
 “No Instruments!” - таков был девиз прошедшего
25 апреля в джаз-клубе JazzTown вечера, посвященного выходу нового диска вокального ансамбля "A’Cappella
ExpreSSS" под названием "Middle of the River".
Название это носят сам диск, его главная песня, а также клип, недавно
снятый на нее и показанный на этом вечере. На небольшой
пресс-конференции, открывавшей вечер, автор музыки этой песни и продюсер
диска - композитор из Казахстана Ерулан Канапьянов - вкратце рассказал о
своей дружбе с ансамблем и о предыстории песни. Вначале это была
инструментальная пьеса, затем она стала вокальной, на текст
стихотворения Лонгфелло. Аранжировку песни для ансамбля сделала Диана
Поленова (сопрано).
Тут хотелось бы немного отвлечься, поскольку с американским
поэтом-романтиком Генри Уодсуортом Лонгфелло (1807-1872) связана очень
важная веха в истории музыки. Его поэмой "Песнь о Гайавате" (1855) была
вдохновлена вторая, медленная часть симфонии №5 "Из Нового Света",
которую Антонин Дворжак написал в США в 1893 году. Произведение чешского
мастера стало первым серьезным обращением к американским источникам в
симфонической музыке и образцом для целого ряда американских (!)
композиторов. И вот опять, спустя более чем век, получился такой
"интернациональный" опус.
Сам диск отражает "дух путешествий", присущий программам "A’Cappella
ExpreSSS" - "Подмосковные вечера" соседствуют с песней "Битлз",
грузинские напевы - с босса-новой. Правда, есть некоторые пожелания к
оформлению диска: было бы понятнее его содержание, если бы названия
песен, имена их авторов и аранжировщиков и время звучания (оно вообще не
указано) были сосредоточены в одном месте.
Надо сказать, что этот ансамбль - настоящий подарок для продюсера. Люди
самостоятельные, хорошо образованные, музыку и аранжировки пишут сами,
все отрепетировано, отшлифовано. Все - фанатики и знатоки своего дела, в
особенности "старшая группа" - Андрей Туник, Этери Бериашвили, Диана
Поленова. Мне очень приятно, что "младшая группа" ансамбля - Катя
Надареишвили, Максим Костра, Антон Касаткин - это мои студенты, которые
учатся на эстрадном отделении музыкального факультета Педагогического
университета. И, хотя они посещают занятия не так часто, как хотелось бы
(гастроли, концерты…), но я отношусь к этому с пониманием. Ведь
сольфеджио и гармония для них - это ежедневная "производственная
необходимость".
Презентация прошла, что называется, с размахом. После пресс-конференции
выступал ансамбль и его гости - Виктория Пьер-Мари, Андрей Солодкий,
Мариам, Илона Броневицкая, Сергей Манукян, музыканты из Казахстана,
артисты других жанров. Иногда ансамбль пел вместе с гостями. Приятным
сюрпризом было участие педагога Кати и Максима по вокалу О.Я.Клиппа,
который спел "Fly Me To The Moon". Как и должно было быть на вечере
джазового ансамбля, звучало много живого и хорошего вокала, и девиз "No
instruments" нарушался, в основном, тоже живыми звуками рояля.
Некоторые строгие джазовые критики несколько скептически относятся к
творчеству ансамбля, говоря о некотором "эстрадном" налете, малой доле
импровизации. Но это - следствие особенностей труднейшего жанра,
выбранного музыкантами, где все должно быть выверено до мельчайших
деталей. С шестиголосием не шутят.
Новый диск и клип - хорошие импульсы для будущей деятельности ансамбля.
Коллектив приобрел еще более изысканный стиль и даже шарм. И если для
продюсера, по его словам, "Middle of the River" - это некий символ
середины жизненного пути, то для ребят диск - это скорее "At the
River-head" - "У истока".
 Зинаида
Карташева,
музыковед
|
|
|
|
Москва - это вам
еще не все |
|
В нашей "внемосковской" рубрике продолжается премьера нового проекта
журнала "Полный джаз" и всего портала "Джаз.Ру", проекта, призванного
помочь региональным российским джазовым организаторам сделать
решительный шаг навстречу как своей местной аудитории, так и включению
джазовой жизни своего города в общероссийскую, более того общую для
всего постсоветского пространства культурную среду. Всех, кто имеет
отношение к организации джазовых мероприятий в России, Украине и других
странах Восточной Европы, всех,
кто следит за ними и кто хочет знать о джазовых событиях на территории,
где читают "Полный джаз", больше, своевременнее и полнее - всех мы
призываем ознакомиться с деталями нашего нового проекта, называющегося
просто - "Анонсы от Джаз.Ру"...>>>>
Белое море, Красный пароход
 Люди
десятки лет изощряются, стараясь определить, что такое джаз, список
определений уже вываливается из любой емкости, а все, понимаешь, не
нравится, придумывают еще. Я тоже делаю посильный вклад. Вот, например,
определение, которое должно с восторгом принять огромное большинство -
джаз это то, что на него сильно похоже. Между прочим, не намного хуже
иных. Именно это нам за джаз чаще всего и продают. Примеры приводить не
буду, просто оглянитесь.
 Как раз-то я предпочитаю джаз, который на него не всегда похож, зато
джаз. Я, кстати, не одинок. Вот хитрые японцы назвали себя "сумасшедшая
японская эстрада" и этой эстрадой обманывали доверчивых москвичей в "Точке",
о чем уже писал "Полный джаз" неделю назад, и сегодня, и еще
напишет. Правда, невооруженным взглядом было видно,
что в оркестре Shibusashirazu - музыканты с сумасшедшим потенциалом, что
они могут гораздо больше, чем показывают. Это они в Москве показывают,
да еще в молодежном клубе, где обстановка располагает к тусовке больше,
чем к музыке. А вот в Архангельске они несколько иные. На то есть
причины.
 Люди,
божьи творения, не устают меня удивлять. Чего они только не знают.
Некоторые не знают физики, а другие - географии. Для последних сообщаю,
что Архангельск на 1200 километров севернее Москвы, и там еще почти зима.
Солнце здесь только светит, но почти не греет. Северная Двина подо льдом,
который с успехом ломает Красный ледокол, на льду сидят рыбаки, а меж
них кружит в диком танце МЧС-овский аппарат на воздушной подушке с
миленьким названием "Марина".
 Архангельская
губерния славна многими чудесами, из которых я бы выделил три: рыбацкий
сын Михайло Ломоносов, барабанщик Владимир Тарасов и группа "Архангельск"
Владимира Резицкого. Последнее явление и послужило стимулом для японцев.
Они решили, что там, вблизи Полярного круга и легендарных Соловков,
северные жители привыкли не только к длинной зиме, но и ко всяческому
авангарду, который, между прочим "Архангельск" у них в Японии с успехом
раньше демонстрировал. И они почти правы. Неуемный пианист "Архангельска",
участник былых суперконцертов и гастролей Владимир Туров возобновил
интенсивную джазовую жизнь после смерти Владимира Резицкого, ежегодно
проводит "Дни джаза" в Архангельске и не устает напоминать
архангелогородцам о том, что джаз жив. Бывает это осенью, весело, долго
и на джаз похоже. Только вот закралось в душу Турова сомнение, а не
забудет ли город славные передовые традиции творческой и революционной
архангельской музыки, за которую прошлые поколения немалые силы положили.
И вспоминать традиции надо поскорее, лучше прямо сейчас, в апреле. Так и
возникла идея "Апрельских джазовых тезисов" длиною в один день. День
этот настал 23 числа.
Ровно в пять часов торжественное заседание в Большом зале филармонии
было открыто. В зале битком, просто яблоку некуда упасть, да и откуда
там яблоки. В президиуме появляются делегации с Юга России, из Цюриха,
Токио… все встают. Однако, шутки в сторону.
Альтернативный фестиваль в Архангельске, несомненно, удался. Три
абсолютно нестандартных ансамбля обозначили разносторонность этой
сложной геометрической фигуры, изображающей современные музыкальные
поиски. Причем появлялись они в совершенно правильной последовательности
при постоянно растущем числе участников.
 После
долгих, почти двухмесячных гастролей по Соединенным Штатам, начавшихся с
Хэмптоновского фестиваля, вышел на сцену со своей музыкой и со своим
сыном (саксофонистом Николаем) пианист Леонид Винцкевич. Компанию им
составил архангельский, как его назвал сам Леонид, чародей, Олег Юданов.
Русско-колтрейновская музыка, смена настроения, хороший вкус, минимум
внешних эффектов, полное взаимопонимание. Выступления на чужбине кажется,
пошли на пользу: более контрастная, чем раньше, программа,
созерцательность сменялась яркой энергетикой, старшие две трети ансамбля
весьма сценичны и артистичны, и только Николай, погруженный в звук,
стоит, склоненный к своему сопрано-саксофону. Кажется, публика так и не
увидела его лица. Но в целом Архангельск эту музыку понял и принял
полностью. Явный успех.
 На
второе, после долгого переустройства сцены, без саундчека, поскольку
прямо с самолета, резкая смена плана - грув-минималистский квартет Ronin
из Цюриха. Город тот славен русскими революционными традициями. Мало
того, что дал приют Владимиру Ильичу в тяжелые времена, в другие тяжелые
времена именно там проходил Фестиваль советского джазового авангарда
(1989), "Архангельск" Резицкого тоже участвовал. То, что Цюрих - гнездо
потрясателей мировых музыкальных устоев, никого не удивляет, об этом
регулярно пишет "Полный джаз". Архангельск оказался у квартета по дороге
из Питера в Москву, их выступление в "Доме" было намечено на 26 апреля.
А пока на берегу Северной Двины реализуется смесь из ритмогармонической
основы на принципах минимализма, только чуть быстрее, сложных
ритмических закруток, остинатной и грувовой бас-гитары, рок-звука,
чуть-чуть джаза и побольше эмбиента.
 Лидер состава Ник Барч - композитор с
академическим образованием, любитель и знаток Стравинского и Дебюсси,
лауреат престижной композиторской премии 2003 года, - варит свою кашу,
используя рояль и синтезатор; Каспар Раст и Анди Пупато очень постепенно
наращивают перкуссийную мощь; у бас-гитары Бьерна Мейера несколько более
простая задача в рамках абсолютно выстроенной и завершенной композиции.
Все по общим законам развитого минимализма, но если классики Терри Райли
и Стив Райх представляют базисную ветвь, а Майкл Найман -
облегченно-сладковатую, то музыка Бартша явно клонится к линии
медитативного рока. Публике это страшно нравится, она в массе своей не
замечает композиторские изыски, смены тональных планов,
трансформирующуюся ритмическую вязь - она просто тащится и сверх всяких
ожиданий требует продолжения. Однако регламент, подразумевающий
выступление очень громоздкого Shibusashirazu, строг и неумолим. Его
соблюдение было возложено на автора этих строк, но такова жизнь.
 Третье отделение открывает трогательная речь Тэруто Соэдзимы - японского
продюсера, который благодаря давней дружбе с покойным ныне Николаем
Дмитриевым регулярно привозит в Россию представителей японского нового
джаза. В самом Архангельске Соэдзима-сан появляется уже в восьмой раз и
полагает, что местный слушатель в высшей степени подготовлен к
восприятию радикальных музыкальных языков. В результате удельный вес
импровизационных сегментов, оперативно и динамично возникающих дуэтов,
трио, квартетов внутри музыкальной структуры, выписанных риффов и
туттийных фрагментов, рассчитанных на долговременную музыкальную память,
существенно повышается по сравнению с московским вариантом. Разумеется,
возможности архангельской публики гостями были несколько преувеличены,
процентов 10-15 публики удалились уже на первых 15 минутах, хотя
последний эффект возможно был связан со страшенными децибелами, упавшими
на головы обывателя, не ожидавшего такой прыти от хрупких жителей Страны
Восходящего Солнца.
 Заряженный на все многомесячные гастроли Shibusashirazu китч продолжал
крутиться, псевдоевропейские барышни-танцовщицы томно покачивались,
дракон медленно проплывал над филармонической сценой, дирижер Дайскэ
Фува, прикуривая буквально одну от другой, жестами, похожими
одновременно на курехинские и зорновские, командовал своим оркестром, но
музыка чудесным образом оказывалась содержательной, а банальные
клезмерские попевки вообще возникли только к самому концу представления.
Вот что значит репутация города. Москва до этого еще не доросла.
 Японская команда еще собирала свою громоздкую аппаратуру, а неподалеку в
джаз-клубе "Амадей" уже набирал обороты джем. Странно, но те же
музыканты, с той же непростой, требующей немалых душевных затрат музыкой,
столь же непохожей на джаз, сколь и им являющейся, получили абсолютно
заинтересованную и адекватную реакцию, но теперь уже в вечернем
ресторане.
 Поразительно. Все-таки не зря ответственные джазовые товарищи
работали много лет без устали. "Апрельские джазовые тезисы" были
правильно поняты и легли в промерзшую, но подготовленную почву. Можно с
уверенностью утверждать: Великая Апрельская Архангельская революция
свершилась!
 Михаил Митропольский,
товарищ из центра
|
|
|
|
Что намечается:
московские анонсы |
 "Le
Club" и Игорь Бутман представляют: 11-14 мая - Стив Слэгл
(альт-саксофон, США)
Альт-саксофонист Стив Слэгл (Steve Slagle) родился в Лос-Анджелесе. Его
музыкальная карьера началась в то время, когда он получал образование в
бостонском колледже Беркли (он был стипендиатом журнала DownBeat). Он
концертировал с другими студентами Беркли, среди которых были такие
нынешние звезды, как гитарист Джон Скофилд и саксофонист Джо Ловано.
Одной из первых его "настоящих" работ стало выступление со Stevie Wonder
Band, тогда Слэглу было всего 18 лет. В 1977 г. Стив переехал в
Нью-Йорк, где начал работать со знаменитым вокалистом Мачито и его
"Афро-Кубинским Оркестром" (где Слэгл играл партию ведущего альта).
Первые записи Слэгла и большие концертные туры состоялись с квартетом
Стива Кюна, затем он работал в оркестрах Лайонела Хэмптона, Вуди Хермана,
в ансамбле органиста "Братца" Джека МакДаффа. В 1981 году Стив Слэгл
присоединился к оркестру Карлы Блей, с которым он много и успешно
гастролировал. Яркий и многогранный композитор, великолепный исполнитель
на альт- и сопрано-саксофоне, флейте и альт-кларнете, Стив Слэгл в 1988
году становится музыкальным директором выдающегося латиноамериканского
конгеро (исполнителя на барабанах конгас) Рэя Барретто. Немного позже он
присоединяется к лучшему биг-бэнду Нью-Йорка - Mingus Big Band - в
качестве первого альт саксофониста и аранжировщика. С его участием
записи оркестра трижды номинируются на премию "Грэмми". Спустя некоторое
время Стив начинает сотрудничать с саксофонистом Джо Ловано и его
ансамблями: нонет Джо Ловано, в котором Стив Слэгл играл на
альт-саксофоне, завоевывает премию "Грэмми" с альбомом “52nd Street
Themes” (Blue Note, 2000). Сейчас Стив возглавляет собственный
коллектив, с которым он записал уже шесть альбомов; самый недавний, “New
New York”, вышел на лейбле Omni Tone в 2000 г. (авторитетный критик
Скотт Янов написал о нем: "как и Джо Ловано, Слэгл погружен в традицию,
но ищет пути расширить ее, черпая одинаково глубоко из наследия и Чарли
Паркера, и Орнетта Коулмена"). Постоянный партнер Слэгла - гитарист Дэйв
Страйкер: его игра звучит на части сольных работ саксофониста, а Стив
играет на нескольких альбомах Страйкера, и они иногда гастролируют
вместе как Slagle-Stryker Band. Кроме того, Стив является преподавателем
двух лучших нью-йоркских музыкальных учебных заведений - Manhattan
School of Music и New School University.
 Словацкий
культурный центр при Посольстве Словацкой Республики в Москве
приглашает на концерт известного словацкого джазмена Додо Шошока
29 апреля в 18.30. Концерт состоится в Словацком культурном центре
(2-я Брестская ул., д.27,
м. "Белорусская-кольцевая" или "Маяковская").
Йозеф "Додо" Шошока - самый известный джазовый перкуссионист и
барабанщик Словакии, выпускник бостонского колледжа Беркли, игравший с
Чарли Мариано, Томашем Станько, Ли Конитцем, Вольфгангом Пушингом,
Бирели Лягреном, Ярославом Сметаной и многими другими ведущими
американскими и европейскими музыкантами.
Вход свободный. Телефон для справок 956-4928.
5-8 мая в культурном центре "Дом" пройдет фестиваль
"Альтернатива-19 (Музыка в реальном времени)". Подробности этого
яркого события, в этом году носящего заметный новоджазовый оттенок - в
анонсе от его организатора и вдохновителя, Дмитрия Ухова....>>>>
Вообще говоря, май оказывается богат на локальные по объему посадочных
мест, но яркие по тематике и убедительные по списку участников
фестивали.
14-15 мая в клубе "Апельсин", недавно принимавшем фестиваль
французского джаза, 18:00, пройдет фестиваль прогрессив-рока
InProg-2005...>>>> |
|
|
|
|
Конкурсы |
|
В небольшом литовском городке Паневежисе уже много лет регулярно
проходит международный детский конкурс поп- и джаз-вокала “Baby Sing”,
где часто и успешно выступают и поющие дети из России и Украины. В этом
году он пройдет 1-3 октября. Подробности - в сообщении организатора
фестиваля Гендрюса Якубенаса...>>>> |
|
|
|
А в это время
за бугром... |
 С 22 по 30 апреля в Таллинне в 16-й (а учитывая нумерацию
предшествовавшего ему Международного Таллиннского фестиваля - в 25-й!)
раз проходит фестиваль Jazzkaar (Радуга Джаза).
Музыкантов в программе много - от людей, которых не знает почти никто,
до "молодых львов" сегодняшнего дня (среди них - израильско-американский
контрабасист Авишай Коэн, нью-йоркский саксофонист Грег Осби,
австрийско-тунисский вокалист Дафер Юссеф и др. Но главная звезда всего
фестиваля - квартет Чарльза Ллойда (Charles Lloyd Quartet), на чье
выступление билеты были распроданы за три недели до дня выступления.
Когда-то, в 1967-м, на первом Таллиннском фестивале, это был самый
первый американский джазовый ансамбль, выступивший в Эстонии.
Концерт проходил в здании Kaarli Kirik (Церковь Святого Карла), что
придало всей атмосфере выступления особый, неповторимый колорит. Надо
отметить, что порадовала и публика: зал в 700-800 мест был переполнен,
причем, как позже оказалось, туда пришли люди, действительно понимающие
и любящие джаз и творчество Ллойда в частности.
 Чарльз Ллойд приветствовал публику свои характерным жестом -
покачиванием кистями рук, сложенных ладонь к ладони (как бы молясь).
Небольшая овация, и вот уже зазвучал томящий голос саксофона…
Публика была более чем благодарна: после каждой композиции звучала
овация, но даже не это главное. Главное то, что, кинув взгляд на зал,
можно было увидеть многих людей, покачивающих головами под медитативные
звуки со сцены. Это было наивысшей благодарностью для Ллойда, потому что
в одном из своих интервью он говорил, что в своем последнем туре по
Европе хотел бы помедитировать вместе с публикой.
Концерт длился полтора часа. Как мне показалось, он был условно разделен
на две части: "любовную" и "жарко-медитативную". Квартет в составе
Рубена Роджерса (контрабас), Эрика Харланда (ударные), Джери Аллен
(фортепиано) и самого Чарльза Ллойда (тенор-саксофон и флейта)
произвел на публику сильнейшее эмоциональное впечатление: глубокая
духовность, чувственность музыки и высочайший технический класс каждого
из членов квартета глубоко затронули души присутствующих в зале.
Хотелось бы отметить и полную отдачу, которую продемонстрировали
музыканты: даже невооруженным глазом новичка было заметно, что люди
горят на сцене. Казалось, что они не смогут играть больше определенного
времени, настолько велико было их сопереживание музыке.
 Особенно в этом
плане выделялся контрабасист Рубен Роджерс (Reuben
Rogers), который не просто играл, но
танцевал, и танец его был полон глубоких чувств к инструменту.
Безусловно, свое высочайшее умение показал и сам Чарльз: при первых
звуках его импровизации публика вспыхивала аплодисментами. Причем играл
Ллойд не только на саксофоне, но и на флейте. Иногда казалось, что
сердце просто заменялось неким сосудом, в который текли все переживания
инструментов. Большую часть времени я провел с закрытыми глазами, но
когда я смотрел на сцену - я понимал: да, эти люди сами сейчас - та
эмоция, которую они хотят передать.
 Отдельно хотелось бы отметить прекрасную игру молодой перспективной
пианистки Джери Аллен (Geri Allen), которая показала себя с наилучшей
стороны - как в своих сольных партиях, так и в аккомпанементе.
Бесподобен был барабанщик Эрик Харланд (Eric Harland): его пятиминутное соло просто
восхитило - почему-то меня особенно тронуло, что он играл с закрытыми
глазами.
На мой взгляд, Чарльз Ллойд для музыкантов своего квартета выступал в
роли родного отца (а он и годится им в отцы, если не в дедушки). Это
было заметно и в том, как он отечески прижал к себе контрабасиста, когда
тот подошел, и в умении не акцентировать внимания на себе, как на
звезде. Последнее стоит подметить отдельно: часто композиция начиналась
и завершалась без участия Ллойда. Он просто отходил и давал публике
насладиться мастерством своих музыкантов.
 Глубокая эмоциональная насыщенность выступления, вылившаяся в более чем
полуторачасовую "медитацию с публикой", не осталась без достойного
вознаграждения. Перед концертом конферансье объявил факт, который знал,
пожалуй, каждый, кто пришел на концерт - в 1967 году овация Ллойду в
Таллинне длилась 8 минут 20 секунд. Но в этот раз публика оказалась еще
более благодарной - 9 минут 30 секунд аплодисментов стоя и двойной выход
на бис подвели окончательную эмоциональную черту под впечатлениями от
концерта.
Безусловно, выступление музыканта такого уровня в Эстонии стало огромным
эмоциональным опытом для публики. Динамичность, успокоение, гармония -
все это оказалось настолько близким и так тронуло слушателей, что после
завершения некоторые люди просто не могли ничего говорить, но все
хотели, чтоб это выступление длилось вечно!
 Ростислав Зяблов,
Таллинн - Кохтла-Ярве (Эстония)
Фото: Каупо Киккас, Анника Метсла
(сайт Jazzkaar.Ee)
|
|
|
|
