Во второй раз (первый был в декабре 2018) делюсь с читателями предновогодним списком новых альбомов, которые записаны и выпущены российскими музыкантами как в самой России, так и за её пределами. Напоминаю, что это не полный список российских джазовых релизов 2019 года, ведь их было намного больше, чем девять. И тем более это не список «лучших альбомов». Это те девять работ российских джазовых музыкантов, что вышли в 2019 году и привлекли моё особое внимание, показались лично мне особенно значимыми. Это альбомы, которые я хочу рекомендовать послушать другим — и не только российским слушателям, но и всему миру.
Я сознательно не употребляю слов «понравилось» и «не понравилось». Но уж за что я отвечаю — это что каждый из девяти описанных далее альбомов вполне конкурентоспособен на мировом рынке. При этом порядок, в котором альбомы упоминаются, никакого значение не имеет — это не первое-второе-третье места, это просто примерный порядок выхода альбомов в свет в течение года, и то не точный, потому что в новой реальности рынка звукозаписи неясно, что именно считать датой выхода альбома: появление его на цифровых платформах или же физический релиз на компакт-диске или на виниле (если он есть). Главное — формат альбома как документа творчества музыканта вполне жив, альбомы по-прежнему выходят, и многие весьма интересны!
В части описаний альбомов я использовал цитаты из самого себя: о некоторых записях и о многих артистах мне уже приходилось писать для «Джаз.Ру».
Юрий Галкин «…For Its Beauty Alone» (Yuriy Galkin)
Контрабасист Юрий Галкин получил образование на джазовом отделении Королевской академии музыки в Лондоне, в течение семи лет жизни и учёбы в Британии выступал с ансамблями видных британских и американских музыкантов. С собственным нонетом (ансамблем из девяти музыкантов) Галкин в 2012 записал в Лондоне альбом «Nine Of A Kind» и с этим материалом гастролировал по всей Великобритании на средства гранта Совета искусств Англии. В 2013 я писал на «Джаз.Ру»:
…поработав на британской сцене, Юрий Галкин вернулся в Россию готовым мастером. Причём мастер этот сочетает и крепкое знание традиционной джазовой идиомы/стилистики, и стремление к оригинальности внутри этой идиомы.
И вот новый поворот: после нескольких лет на московской сцене Галкин теперь живёт и работает в Нью-Йорке. В начале 2019 он сам, без поддержки фирм грамзаписи, опубликовал новый альбом, записанный в декабре 2017 на студии Systems Two. Вместе с Галкиным на альбоме «…За одну лишь красоту» играют пианист и клавишник Мэтт Митчелл (Matt Mitchell), барабанщик Руди Ройстон (Rudy Royston) и альт-саксофонист Дэвид Бинни (David Binney). Альбому предпосланы слова самого Юрия:
…Это отражение событий последних лет и их влияния на человечество — история, когда политические лидеры одержимы безумными начинаниями, подлинные ценности брошены ради личной выгоды, насилие торжествует, а простых людей вынуждают принять чью-то сторону. Но некоторые как-то умудряются ценить красоту жизни, оставаться верными своим моральным устоям и сопротивляться угнетению…
Альбом в самом деле последовательно рисует программные образы беспокойства, хаоса, повседневной психологической напряжённости и отдельных островков безмятежности и изящества. Образы эти решены тембральными и гармоническими средствами современного джаза с известной долей влияния современной же академической музыки. При этом эмоциональная палитра альбома (а Юрий в статье для альбома подчёркивает, что призывает слушать альбом именно целиком, а не отдельными треками) достаточно сдержанна: эпизоды хаоса и расстройства жизни звучат в целом хотя и беспокойно, но ровно и временами слегка механистично, да и моменты красоты и безмятежности создают ощущение управляемого спокойствия, даже холодности. В общем, картина мира получается весьма подробная, полная глубоко проработанных деталей, но всё это в ледяном, тщательно контролируемом отстранении от ярких эмоций. Почему-то ощущение холодной наблюдательности усиливается, когда Мэтт Митчелл пускает в ход режущий звук синтезатора Prophet, живо вызывающего в памяти посвист метелей Снежной королевы. Интересная, глубокая работа, которую, однако, я остерёгся бы рекомендовать тем слушателям, кто ожидает от джазовых записей сплошного позитива и комфорта — как эмоционального, так и звукового. Это альбом для пытливых умов и ценителей решать сложные звуковые головоломки, пусть и под руководством заранее заданных и даже описанных словесно (в предпосланной альбому статье) программных установок.
29 декабря Юрий Галкин играет материал этого альбома с Мэттом Митчеллом и Дэвидом Бинни в знаменитой «джазовой церкви» в Нью-Йорке, St. Peter’s Church, а на 19 февраля 20202 запланирована презентация альбома в известном нью-йоркском клубе Smalls.
альбом в Bandcamp | альбом в CDbaby | альбом в Google Play
Masha Art & LRK Trio «Anesthesia» (Losen Records)
Пару лет назад одним из важных каналов продвижения российского джаза на европейском рынке внезапно стал норвежский лейбл Losen Records. В феврале 2019 на нём вышел очередной релиз российских джазовых музыкантов — совместный альбом под названием «Anesthesia», который записали в Москве саксофонистка Мария Артеменко, выступающая под именем Маша Арт, и LRK Trio — пианист Евгений Лебедев, контрабасист Антон Ревнюк и барабанщик Игнат Кравцов. В записи пяти из семи треков альбома принимала участие также арфистка Мария Кулакова.
Хотя на обложке альбома равновеликим шрифтом написано «Маша Арт и LRK Trio», вся музыка тем не менее написана Машей, а трио Лебедев-Ревнюк-Кравцов выступает скорее в роли интерпретирующей, аналитической силы. Сила эта не противостоит солистке, но со-творит вместе с ней. Игра трио придаёт печальным, холодным или временами откровенно тоскующим музыкальным образам автора музыки новые черты: рационализм, уверенность, созерцательность — а кроме того, обеспечивают ритмическую и тембровую привязку к современности. LRK Trio, как обычно, не пережёвывает привычные ритмы и проверенные звучания невозвратного прошлого, а играет стопроцентный двадцать первый век, причём конец его второго десятилетия. Это музыка сегодняшней технократической цивилизации, но созданная не машинными алгоритмами, как это чаще всего сейчас бывает, а живыми музыкантами. Даже, можно сказать, подчёркнуто живыми. Причём они не заучили ноты, написанные аранжировщиком, а непрерывным потоком импровизируют живую музыкальную ткань, в которой автор музыки — саксофонистка — то выдвигается на передний план, когда звучит её саксофон, то временно растворяется в звуковых ландшафтах трио, когда пианист, басист и барабанщик играют ансамблевые эпизоды, часто драматургически контрастные к тематической части пьес.
подробности на «Джаз.Ру» | трейлер на YouTube | альбом на сайте лейбла | альбом в Apple Music | слушать в сервисе Яндекс.Музыка
Кристина Ковалёва «Христя в намистi» (Hristya v namysti)
Родина Кристины Ковалёвой — Украина (Луганск). Она получила образование в Российской Академии музыки им. Гнесиных, после чего обосновалась в Санкт-Петербурге. Широкой российской публике Кристина знакома по продолжительным турам с российско-американским трио пианиста Джона Дэйвиса (Jon Davis Trio) в 2016 и 2017 гг. Её собственный ансамбль в ноябре 2017 г. участвовал в клубной программе первого форума-фестиваля Jazz Across Borders в Петербурге, а в апреле 2018, сразу после впечатляющего успеха Кристины на международном конкурсе Riga Jazz Stage (первое место в вокальной категории и спецприз Раймонда Паулса), она со своим коллективом выступила на открытой сцене всемирного празднования Международного Дня джаза в Санкт-Петербурге. В 2019 вышел её дебютный альбом, «Христя в намистi», выпущенный на собственном лейбле Hristya v namysti и состоящий из песен на украинском языке.
Молодая певица вложила в свою первую авторскую работу буквально всю себя, и это слышно (а тем, кто посмотрит короткий видеофильм о записи альбома — и видно). Эмоциональность вокалистки зашкаливает, но магическим образом не отталкивает, как иногда отталкивает деланная эмоциональность напоказ. Дело в том, что эмоциональность Кристины не деланная: при всей её яркости она природная, органичная. И это не может не привлекать.
Над альбомом вместе с Кристиной работали лучшие инструменталисты Санкт-Петербурга, причём разных поколений: барабанщик Пётр Михеев, контрабасист Григорий Воскобойник, саксофонист Андрей Половко (исполнивший также партии флейты) и пианист Андрей Кондаков. При высочайшем качестве игры и интересном индивидуальном вкладе всех участников, не могу не выделить прежде всего Кондакова как мощную творческую силу, которая исподволь, ненасильственно, но несомненно формирует звуковую среду альбома. Один только пример — если бы не изысканное фортепианное соло Андрея в «Insomnia», представляющее собой органичный джаз джазового импровизационного языка и бразильской ритмики, возможно, и своеобразный бразильский скэт Кристины в этом же треке не состоялся бы, не был бы на месте. Но при этом точно так же не состоялся бы без Григория Воскобойника трек «Ой, верше мiй верше», построенный на напористых остинато контрабаса во взаимодействии с вокалом и пронизанный наложенными поверх повторяющихся фраз аккомпанемента смычковыми соло на этом же инструменте. Собственно, именно музыкальное (и эмоциональное) взаимодействие Кристины с партнёрами и представляет собой самую сильную сторону этого альбома: это не только качественные этно-поп-песни в сопровождении сколь угодно умелых аккомпаниаторов (хотя и это тоже) — это именно современный джаз, contemporary jazz настолько же, насколько и modern jazz: в отличие от первого, тут многое построено на весьма горячих и умных инструментальных соло, а в отличие от второго — имеет место доступная песенная форма и нет ни одного джазового стандарта. В общем, всячески рекомендую. Кстати, в декабре именно этот альбом был представлен от «Джаз.Ру» в Европейском джаз-медиа-чарте.
альбом в iTunes | смотреть трейлер на YouTube | слушать в сервисе Яндекс.Музыка
Zhenya Strigalev, Federico Dannemann «The Change» (Rainy Days Records)
На обложке два имени лидеров: саксофонист Женя Стригалёв (Zhenya Strigalev) и гитарист Федерико Даннеманн (Federico Dannemann). Но говорить об этом альбоме я начал бы с конца — ну, с того, о чём обычно пишут именно в конце: с ритм-секции.
Два представителя поколения «35+» из Нью-Йорка — басист Люкес Кёртис (Luques Curtis) и барабанщик Обэд Калвэр (Obed Calvaire) — на этом альбоме делают то, что в музыкантском обиходе последних лет определяется словом «месить». По-другому тут не скажешь, придётся ввести этот жаргонизм в арсенал прикладного музыкознания как термин.
Это не упругий отсчёт традиционного джазового ритма, это именно крутой, неостановимый «замес» — что, кстати, парадоксальным образом привязывает эту работу к самому современному джазу: в роке тоже бы скорее играли регулярный ритм, а не «месили», тем более — так напористо и разнообразно, как это делают Люкес и Обэд. И нет, это не фри-джаз, это вполне ясно определённое, структурированное ритмическое движение — просто крайне свободное, напористое, непрерывно меняющееся, изобретательное и лихое.
Альбом, с одной стороны, подводит итог целой главе развития саксофониста Евгения (окей, Жени) Стригалёва, который ярко блеснул на российской джазовой сцене ещё на рубеже столетий — и теперь, после полутора десятилетий в Лондоне, возвращается на неё уже в качестве гражданина мира, музыканта с международной известностью. С другой стороны, он точно так же раскрывает для российской и международной публики гитариста Федерико Даннеманна — аргентинца, выросшего и дебютировавшего на джазовой сцене в Чили, а затем, как и Стригалёв, начавшего вхождение в европейский джазовый мир через обучение в Британии. И всё это — при поддержке мощной нью-йоркской ритм-секции, одновременно укоренённой в основах джазового искусства и искушённой в работе на самых передовых рубежах развития современной музыки. Истинно всемирный «замес», который открывает мировой аудитории лейбл из Санкт-Петербурга.
подробности на «Джаз.Ру» | альбом в Bandcamp | альбом в iTunes | смотреть трейлер на YouTube | слушать в сервисе Яндекс.Музыка
Евгений Пономарёв «N.N. Song» (Aerosound / Barabanov.fm)
Дебютный альбом петербургского пианиста и композитора Евгения Пономарёва вышел на лейбле музыкального обозревателя Бориса Барабанова и включает восемь авторских композиций Евгения, которые он написал специально для своего ансамбля — своего рода сборной Санкт-Петербурга по джазу: с ним играют Андрей Половко (тенор- и сопрано-саксофоны, флейта), Григорий Воскобойник (контрабас) и Пётр Михеев (ударные). Премьера программы, которая легла в основу альбома «N.N. Song», состоялась более двух лет назад — в августе 2017 — на Новой сцене Александринского Театра. С тех пор квартет играл её на многих важных площадках Санкт-Петербурга и Москвы, показывал на больших международных джазовых событиях в Питере — форуме Jazz Across Borders (2017) и всемирном праздновании Международного Дня джаза (2018).
Первое впечатление от альбома — принципиальная, даже настойчивая эклектичность его звучания. Да, важнейшее влияние на Евгения Пономарёва в его развитии как джазового пианиста оказала классическая музыка, но слышно, что это прежде всего русская классическая музыка, основанная на русской музыкальной традиции не в меньшей степени, чем на европейском гармоническом фундаменте, что играют именно музыканты из России — и в контексте непрекращающихся поисков музыкантами из России собственного лица в джазе эта пьеса, пожалуй, может войти в подборку самых показательных примеров того, как именно «русские корни» могут проявляться во всемирном многообразии джазового искусства.
С другой стороны — да, это музыканты из России, но играют они джаз, а вовсе не «мировую музыку». Они играют джаз; они знают его корни, они понимают его принципы и владеют всем многообразием его ритмики — и всё-таки не пытаются имитировать носителей изначальной джазовой традиции, а осмысляют её в соответствии с собственным культурным багажом. А багаж этот включает не только классическую музыку, но и те грани джазового искусства, что в 70-90-е гг. прошлого столетия начинали развиваться на стыках джаза и смежных направлений. В частности, Евгений Пономарёв признаётся в том, что лично на него огромное влияние оказали, с одной стороны, гениальный французский пианист Мишель Петруччани, а с другой — прославленный американский гитарист Пат Мэтини. Обоих никак нельзя назвать представителями джазового мэйнстрима, но оба внесли, каждый по-своему, колоссальный вклад в развитие многообразия джазовой эстетики современности — той реальности, в которой живёт и работает петербургский квартет.
подробности на «Джаз.Ру» | альбом в Apple Music | альбом в Spotify | альбом в Google Play | слушать в сервисе Яндекс Музыка
Анастасия Лютова «Some Like It Jazz» (Venus Records)
Альбом «Some Like It Jazz» — дебютная запись московского ансамбля «Лютый Бэнд», во главе которого стоит певица Анастасия Лютова — не первый альбом с «российским следом», который выпустила японская фирма грамзаписи Venus Records — один из ведущих джазовых лейблов в Японии. Релиз на престижном международном лейбле — дебютный альбом Насти, которая только в 2017 г. окончила Российскую академию музыки им. Гнесиных.
В эпоху постмодерна, когда традиции подвергаются переосмыслению, каноны — деконструкции, а джаз — многочисленным комбинациям с другими видами музыки (джаз-фьюжн, джаз-кроссовер, джаз-фанк, поп-джаз, латин-джаз, этно-джаз, имя же им легион), смелость признать, что джаз кому-то может нравиться в своём изначальном виде — в форме джазового мэйнстрима, каноны которого окончательно сложились уже более 60 лет назад — это, на самом деле, большая художественная смелость и достойная уважения принципиальная позиция.
Найти своё лицо в каноническом джазовом мэйнстриме ой как непросто! Это как по лезвию ножа пройти: шаг влево — безвкусица, шаг вправо — и на долгие годы прилипает ярлык «русской Эллы», ну или любой другой великой джазовой вокалистки золотой эры джаза, но только в сугубо отечественном переиздании.
Много ли нужно нам «русских Элл» и вообще «русских переизданий» легендарных исторических певиц? (Я имею в виду — за пределами области корпоративно-ресторанного музицирования). А вот певиц современных, оригинальных, с запоминающимся собственным тембром и манерой и при этом — повторюсь ещё раз! — обладающих вкусом и знающих стиль и канон джазового искусства, хочется видеть побольше. И Анастасия Лютова — как раз такая певица. Причём сложность её положения на эстетической шкале — как раз ещё и в том, что она из России: английский язык, на котором она поёт, очень хорош, но всё же это не родной её язык, что явно добавило трудностей в достижении такого высококачественного результата, каким можно назвать дебютный альбом певицы.
Результат, конечно, вряд ли был бы настолько же высок, если бы не «Лютый бэнд». Огромный опыт, глубочайшее знание джазового канона и превосходная, истинно мирового уровня игра пианиста Алексея Подымкина тут только одна, хотя и важнейшая, составляющая. Такого искушённого, отточенного и при том не музейного, не засушенного, а стопроцентно живого, сегодняшнего звучания не было бы, если бы не Сергей Баулин на тенор-саксофоне — мастер-универсал, превосходно владеющий историческими джазовыми стилями и манерами (вспомним хотя бы его участие в «Большом Джазовом Оркестре» Петра Востокова), но при этом прекрасно умеющий играть и современный джаз. И если бы не надёжный и стилистически универсальный контрабасист Владимир Кольцов-Крутов. И, естественно, если бы не Алексей Беккер — лучший барабанщик среди джазовых пианистов. Это не шутка: на этом альбоме есть момент, когда изощрённый барабанщик Алексей Беккер на один трек вдруг превращается в глубокого и мудрого пианиста Алексея Беккера, которого мы знаем по многолетнему сотрудничеству с другой замечательной российской джазовой певицей, Анной Бутурлиной…
подробности на «Джаз.Ру» | ещё подробности на «Джаз.Ру» | альбом в Apple Music | альбом в Spotify | смотреть трейлер на YouTube
Макар Кашицын «Jazz Animals» (Rainy Days Records)
Да, это дебютный альбом молодого музыканта из Москвы. Да, это определённый аванс его таланту. И да, в общем, это не вполне обычный дебютный альбом. Над записью под звучным названием «Звери джаза» — первой, которую выпустил под своим именем альт-саксофонист Макар Кашицын, — работала целая сборная известных музыкантов из России, США и Европы.
В момент выхода альбома на прогрессивном петербургском лейбле Rainy Days лидеру было 19 лет, и он учился в Нью-Йорке на третьем курсе Manhattan School of Music. Материал был записан в августе 2018 в Москве, продюсером выступил барабанщик Саша Машин, а среди участников были набирающий известность нью-йоркский трубач Джош Эванс и выдающийся американский тенор-саксофонист нового поколения Чад Лефковиц-Браун. Кроме того, в записи участвовал молодой московский гитарист Алексей Полубабкин, в двух треках звучла голос нидерландской вокалистки Хиске Остервейк (она также написала текст для финального трека альбома), а ритм-секцию составили продюсер альбома Саша Машин на ударных, Макар Новиков на контрабасе и маститый Алексей Подымкин на фортепиано и электропиано.
Мы слышим на альбоме мощный, яркий ансамбль, в котором альт-саксофон 19-летнего лидера звучит наравне с тенором и трубой его нью-йоркских коллег и удивляет не только техническим совершенством исполнения, но и глубоким композиторским мышлением, а искушённая работа российской ритм-секции увязывает весь этот интернационал в захватывающий поток современного джаза, придуманного и сыгранного на самом передовом уровне. Не зря лейбл Rainy Days уже второй год подряд, участвуя в европейской джазовой выставке-ярмарке Jazzahead! в Бремене (Германия), декларирует, что его задача — «менять восприятие современной российской музыки в глобальной перспективе» и «пестовать уникальные международные проекты лучших музыкантов, которые Россия может предложить миру». Это вот и есть как раз такой проект. На извечный Главный Вопрос отечественного джаза — «можем ли мы, как американцы» — уже давно получен в целом вполне положительный ответ. Оставалось выяснить, зачем. И дебютный альбом Макара Кашицына предлагает не единственный, но зато весьма убедительный вариант ответа: затем, чтобы перестать что-то кому-то доказывать, заканчивать соревноваться с кем-то (причём, как правило, кем-то воображаемым) и наконец начать работать на единой мировой джазовой сцене в полный собственный голос.
подробности на «Джаз.Ру» | альбом на сайте лейбла | альбом в Bandcamp | альбом в Apple Music | альбом в Google Play | смотреть трейлер на YouTube
TRESKATRESK «Man in the Sea» (Finito Bacalao Records)
По-русски в названии квартета «Трескатреск» слышится некая игра слов. И она таки есть. Треска — ресурс чрезвычайно важный для Севера, она лет четыреста была основой торговли норвежских и поморских рыбаков и купцов. Через сто лет после того, как эта торговля угасла, саксофонист из северного норвежского города Тромсё Ула Асдаль Рокконес (Ola Asdahl Rokkones) говорит: «Мы живём во времена, когда человеческие связи поверх государственных границ важны сильнее, чем когда-либо». И этот ансамбль действительно построен «поверх границ»: в его составе — два русских и два норвежца. С российской стороны — именитые петербургские джазмены, пианист Андрей Кондаков и контрабасист Владимир Волков. С норвежской — Ула Рокконес и его земляк из Тромсё, барабанщик Якоп Янссённ (Jakop Janssønn). Естественно, что и музыка, которую пишут все четверо, носит отчётливый отпечаток национальных традиций: мелодический мир русской классики у Кондакова и, до определённой степени, у Волкова; типичные для норвежской сцены «звуки ледяных фьордов», впрочем — необычно тёплые и плотные, у Рокконеса и Янссённа (да, барабанщик тоже написал музыку для пары треков).
Кондаков и Волков — музыканты поколения, пришедшего на советскую джазовую сцену на рубеже 1970-80-х годов. Рокконес и Янсённ — помладше: оба в 80-е только родились. Однако два россиянина и два норвежца сразу почуяли, что вместе у них получается что-то интересное, как только впервые встретились в 2015 году на кинофестивале в Тромсё. Обе стороны чувствовали интерес друг к другу: молодые норвежцы обрели гораздо более опытных партнёров, которым подвластен не только джаз как таковой, но и всевозможные его сплавы с академическим или фольклорным искусством; российские музыканты обрели молодых энергичных партнёров в Европе, заинтересованных в продвижении совместного проекта на мировом рынке… Вскоре ансамбль уже выступал в Санкт-Петербурге, Архангельске и на джазовом фестивале Smeltedigelen в норвежском городе Му-и-Рана, в январе 2018 — на фестивале «Северное сияние» в Тромсё, в мае 2018 дал аншлаговый концерт в концертном зале Мариинского театра в Санкт-Петербурге. В апреле 2019 Андрей Кондаков участвовал в работе российского стенда на международной джазовой выставке-ярмарке Jazzahead! в Бремене, вместе с Улой Рокконесом представив в том числе и проект TRESKATRESK. После этого летом 2019 российско-норвежский проект выступил сразу на трёх крупных джазовых фестивалях в Норвегии — в Осло, Тромсё и Вадсё. В общем, проект развивается успешно, а альбом «Человек в море» отлично его документирует.
Запись была сделана в Тромсё и представляет расширенные тембровые возможности современного североевропейского джаза: в буклете специально указано, например, что звуки флейты и медных духовых — это на самом деле саксофон Улы, на котором он играет без мундштука, а в составе ударной установки Якопа нет малого барабана, но зато есть два джембе из шкуры северного оленя. Звучит как шутка, но это не шутка: музыка альбома — в основном медленная, раздумчивая, серьёзная, самоуглублённая, чтобы не сказать медитативная. При этом она производит впечатление тщательно выписанной, хотя доля импровизации в ней очень велика, а широкий опыт и русских, и норвежских участников в самых разных стилях и направлениях музыкального искусства — академической классике, барокко, бразильской музыке, северном фольклоре и, естественно, в джазе — добавляет материалу множество ассоциативных связей, которые будут особенно интересны слушателю с большим слуховым опытом. Но материал альбома отлично работает и на неподготовленную аудиторию, которую захватывают широкие мелодические движения, сдержанный, но ясно ощущаемый эмоциональный фон и стремление музыкантов выстроить на не слишком сложном материале обширные, подробные, обволакивающие звуковые пространства.
альбом в Apple Music | слушать альбом в сервисе Яндекс.Музыка | смотреть трейлер на YouTube
Арт-Квартет Тима Дорофеева «На солнечном исходе» (ArtBeat Music)
Строго говоря, архангельский «Арт-квартет» — это сам Тим Дорофеев на электрогитаре и три бывших участника легендарной джаз-группы «Архангельск» саксофониста Владимира Резицкого (1946-2001): поющий флейтист Константин Седовин, барабанщик Олег Юданов и басист Николай Клишин. Но это не попытка заработать на наследии былых времён: со времён «Архангельска» многое изменилось. И Седовин живёт теперь не в Архангельске, а в Сочи, и Клишин по разным причинам переключился с контрабаса на четырёхструнную бас-гитару. Да и квартет, строго говоря, не очень квартет: в четырёх треках из шести на сопрано-саксофоне играет Виктор Хабаров, ещё в одном — Денис Овчинников, а в трёх треках звучит перкуссия Алексея Барандова.
«Арт-квартет», конечно, иногда выезжал из Архангельска, но в основном услышать их можно было в родном городе на «Днях джаза» (ранее — Фестиваль Владимира Резицкого), где этот ансамбль почти всякий раз оказывался в роли хоум-бэнда, усиленного архангельскими или приезжими солистами — что и неудивительно, учитывая, что Дорофеев с момента запуска Фестиваля Владимира Резицкого в 2011 году остаётся арт-директором фестиваля и ему нужно предоставлять некоторым ярким приезжим солистам адекватный ансамбль, разбирающийся и в современной импровизационной музыке, и в фольклоре.
Ситуацию изменила осень 2018 года, когда «Арт-квартет Тима Дорофеева» победил в первом сезоне телевизионного конкурса (или, как теперь принято говорить, «телепроекта») «Квартет 4х4» на телеканале «Россия К» (бывшая «Культура»). Квартет архангельских импровизаторов узнала вся страна (ну, тот один процент всей телеаудитории, который вообще смотрит канал «Россия К»). Последовали приглашения на фестивали и филармонические площадки. Квартету срочно нужен был альбом. И альбом появился.
Запись фиксирует концертную программу архангельского коллектива периода победы в телевизионном конкурсе, и фиксирует очень удачно: в студийной записи музыканты сохранили практически все особенности именно концертной программы, с неоднократными развёрнутыми соло каждого инструмента и хорошо продуманными эпизодами ансамблевой игры. Тематизм временами напоминает о мотивном движении северных, поморских русских народных песен: даже название альбома — это на самом деле часть названия записанной в Терском районе Мурманской области поморской свадебной песни «На солнечном исходе, на вугреви». Холодноватый северный колорит звучания ансамбля (избегаю слова «квартет», так как на самом деле звучит почти всё время квинтет, а то и секстет) уравновешивается эмоциональным, ярким характером протяжённых инструментальных соло, почти всегда имеющих ладовую природу. Ансамбль избежал соблазна включить в ткань альбома фрагменты подлинных фольклорных песен (что они, кстати, делают регулярно, когда выступают с солистами-вокалистами) — даже когда Константин Седовин солирует как вокалист, а не как флейтист, мы слышим «инструментальное пение», а не песенный вокал или скэт. Но при этом практически каждый номер развивается от песенной формы, от пространного развития инструменталистами первоначальной темы-попевки, а не от сюитности или программности, и соло самого лидера часто включают элементы его опыта как блюзового гитариста, а не только как практика современной джазовой импровизации. Альбом удачно документирует интересный этап развития региональной архангельской сцены импровизационной музыки, всегда стоявшей на российской сцене несколько особняком и клонившейся, скорее, к североевропейским фолк-джазовым экспериментам. Зрелая, эмоционально богатая работа, взывающая к широкому слушательскому кругозору: вряд ли её стоит рекомендовать коллекционерам джазового мэйнстрима, а вот слушатель со склонностью к фьюжн, этно-джазу, «стилю ЕСМ» и т. п. найдёт в этом альбоме немало интересного для себя.
слушать альбом в сервисе Яндекс Музыка | альбом в 7digital | альбом в Amazon Music
